Aquecimento físico
Favor realizar os exercícios de aquecimento físico passados na aula prática passada. Só após prossiga. Não seja teimoso!
Aquecimento vocal
Esse exercício serve para desenvolver o controle vocal dos sons. É importantíssimo para o desenrolar da voz. Não ignore a boa postura e também esteja bem hidratado (com água natural).
1. Moído: feche a boca e comece soando som “hummmmm” igual a uma vaca preguiçosa. Note que o som (grave) fica armazenado na faringe (cavidade no começo da garganta). Inicie com um tempo de 10 segundos para o som, pare, respire fundi e recomece aumentando o tempo de execução do som. 10 vezes.
2. Fonfom: o mesmo exercício acima, desta vez, trazendo o som para o nariz.
3. Staccato: vamos repetir o exercício 1 e 2 em staccato (você não sabe o que é staccato?). Quer dizer, som cortado em seqüências rápidas e fortes. “Hum... hum... hum... hum”. Use o diafragma para impulsionar o som.
4. Pianinho: é semelhante ao staccato, mas com uma diferença; soe baixinho.
5. Exercício: agora de boca aberta, trabalhe nos moldes acima um “psiu” com o som de “ssssssss”. 10 vezes normal e 10 staccato.
6. Exercício: ainda seguindo o modelo anterior, execute “Zzzzzzzzzzz”. 10 vezes normal e 10 em staccato.
7. Exercício: vamos trabalhar o volume calculando o tempo de execução e dividindo em dois; do zero para o mais alto possível e daí para o zero novamente. Ou seja, vá aumentando o som e depois diminuindo. Faça duas vezes com cada som já treinado.
8. Exercício: agora para relaxar, produza o som “Ffffffff” semelhante a um pneu vazando ar. Em seguida, uma chuva; “Xxxxxxxxx” e finalmente, uma metralhadora; “Rrrrrrrr”. Para este último, coloque e tremule a língua no céu da boca. 5 vezes cada.
Exercício de fonologia
Procure pronunciar bem os textos a seguir:
“O sapo sabia que a sapa soube que se sabiá soubesse saber que ser seria sabido será sábio”.
“Apapiru jadad irab ramát. E coso mular terbiá, ycalabjiady rifar teerã. Mojerikitu raja caluberê ati jivá, e pot unire qal deliatibá”.
OBS: se algum vocábulo do ultimo texto for algum palavrão em algum idioma que você conheça, leve em conta minha ignorância. Trará-se apenas de um jogo de silabas criadas para trinar a articulação.
terça-feira, 7 de abril de 2009
Propriedades da Voz
III-1 Som e tonalidade
Som é tudo quanto podemos escutar – inclusive o estralo do cabo de vassoura da mulher quando o cara chega tarde em casa. A voz humana quando falada, o barulho de um motor ou um trovão são sons simples e puros. Mas existem alguns sons com uma particularidade especial; tonalidade. Sons com uma variação de tom tornam possível a existência da música. Sem a diferença de tons não há melodia.
Quando falamos não emitimos tonalidade e, no entanto, cantamos ao produzir sons com a variação de tons.
III-2 Timbre
É a identidade sonora. Ninguém é capaz de confundir o piano de um placa de zinco sendo arrastada. Portanto, cada som teu seu timbre e ele é quem caracteriza cada som.
O timbre é quem difere o som de uma guitarra de um violino, mesmo que eles toquem o mesmo tom. Também serve para distinguir a voz de uma pessoa. Considere ainda que, por parecidas que sejam duas vozes, há discriminação técnicas entre elas. Não é à toa que existem muitos equipamentos de segurança por reconhecimento da voz.
III-3 Clareza
Enquanto tem tanta gente querendo aprender a cantar há outras que, se quer, sabem falar. Uma propriedade fundamental da voz é a clarividência. Se você fala e por três vezes a outra pessoa não entende e pede para repetir não quer dizer necessariamente que ela seja surda. Você pode não estar pronunciando bem o que fala. Veja essa:
Dois sujeitos que não se entendiam se cruzaram:
-- Oi Fulano, tu vais pescar?
-- Não Cicrano, eu vou pescar.
-- Ah bom. Eu pensei que fosse pescar.
Se bem que nesse caso, os dois eram surdos mesmo.
III-4 Aprenda a falar
Dizem que carioca é tão preguiçoso que nem falam a palavra toda. Discordo disso porque não são apenas os cariocas.
O fato é que devemos ter mais qualidade ao pronunciar os verbetes. Dê atenção especial a todas as silabas para que fique claro o quer dizer. Enrolar a fala é prática de quem esqueceu a letra da música na hora do show. No entanto, a clareza é um dos quesitos avaliados os calouros.
Cuidado para não fazer a junção de duas ou mais palavras na hora de falar. Isso pode deturpar o significado da mensagem. Espie essa clássica cantada (e funciona):
“Ô, meu bem; meu coração por ti gela!”.
Pronuncie as ultimas palavras juntas e confira o resultado (um belo fora).
Atenção especial com palavras iniciadas vogal. No caso de “América”, pó exemplo, separe bem o “A” de “me”. Já em “Ambrósio” é diferente; separe “Am” de “bró”.
Palavras terminadas em “te” não são iguais que com “t”. No primeiro caso o “e” deve soar bem, enquanto que no outro o som é rápido e quase imperceptível. Exemplos; “carinhosamente” e “pierrot”. Aliás, letras consoantes como d, f, p, t, e v isoladas no fim da sílaba não devem ser pronunciadas como são faladas no alfabeto. No ABC lemos v como “vê”. Porém, na palavra Tchaikovsky seu som é um “v” rápido. A onomatopéia (representação escrita dos sons) “zzzzzz” não deve ser lida como “zêzêzê...”. Apenas como o som seco de z prolongadamente.
Em geral, respeitando a divisão silábica, procure falar mais ou menos articuladamente. Ou melhor, ar-ti-cu-la-da-men-te. Isso vale para quando for cantar também.
Palavrões (palavras enormes) devem ser ligeiramente divididos em duas ou três silabas na hora de serem pronunciadas. Ex. “Tessalonicenses” pode lido com uma divisão bem rápida em “Tessalo-nicenses”.
III-5 Volume
Quando dizemos “Fale mais alto” (não esqueça do “por favor”), estamos pedindo para que o outra aumente o volume do som. Contudo, na música (com sons variáveis de tonalidade) alto e baixo diz respeito a grave e agudo (veremos isso mais tarde). Nesse caso devemos especificar “mais volume” ou “menos volume”.
O volume da voz esta atrelada diretamente à força com que jorramos o ar boca a fora. Daí a necessidade de uma boa respiração e conservação dos órgãos internos.
Cada um tem seu limite para o volume. Não force jamais o volume da sua voz. Nem ao cantar, nem ao falar. Mas é possível dar mais consistência a ela com o decorrer do treinamento adequado, buscando o que você tem e não desenvolveu.
III-6 Variação do tom
Em torno do som grave (grosso) e agudo (fino) construímos a melodia, ou seja, a música em si. Existe, portanto, uma escala de tonalidades representadas por notas musicais com padrão internacional a serem executadas por instrumentos ou pela voz humana. Cantar consiste em representar fielmente (não esqueça disso) as notas musicais estabelecidas na melodia. Para tanto, é mister dominar a voz.
Para saber a importância dessa variação, pegue uma música (pode ser “Parabéns pra você”) e cante numa nota só e veja se agrada – verifique se não tem ninguém estranho por perto.
Som é tudo quanto podemos escutar – inclusive o estralo do cabo de vassoura da mulher quando o cara chega tarde em casa. A voz humana quando falada, o barulho de um motor ou um trovão são sons simples e puros. Mas existem alguns sons com uma particularidade especial; tonalidade. Sons com uma variação de tom tornam possível a existência da música. Sem a diferença de tons não há melodia.
Quando falamos não emitimos tonalidade e, no entanto, cantamos ao produzir sons com a variação de tons.
III-2 Timbre
É a identidade sonora. Ninguém é capaz de confundir o piano de um placa de zinco sendo arrastada. Portanto, cada som teu seu timbre e ele é quem caracteriza cada som.
O timbre é quem difere o som de uma guitarra de um violino, mesmo que eles toquem o mesmo tom. Também serve para distinguir a voz de uma pessoa. Considere ainda que, por parecidas que sejam duas vozes, há discriminação técnicas entre elas. Não é à toa que existem muitos equipamentos de segurança por reconhecimento da voz.
III-3 Clareza
Enquanto tem tanta gente querendo aprender a cantar há outras que, se quer, sabem falar. Uma propriedade fundamental da voz é a clarividência. Se você fala e por três vezes a outra pessoa não entende e pede para repetir não quer dizer necessariamente que ela seja surda. Você pode não estar pronunciando bem o que fala. Veja essa:
Dois sujeitos que não se entendiam se cruzaram:
-- Oi Fulano, tu vais pescar?
-- Não Cicrano, eu vou pescar.
-- Ah bom. Eu pensei que fosse pescar.
Se bem que nesse caso, os dois eram surdos mesmo.
III-4 Aprenda a falar
Dizem que carioca é tão preguiçoso que nem falam a palavra toda. Discordo disso porque não são apenas os cariocas.
O fato é que devemos ter mais qualidade ao pronunciar os verbetes. Dê atenção especial a todas as silabas para que fique claro o quer dizer. Enrolar a fala é prática de quem esqueceu a letra da música na hora do show. No entanto, a clareza é um dos quesitos avaliados os calouros.
Cuidado para não fazer a junção de duas ou mais palavras na hora de falar. Isso pode deturpar o significado da mensagem. Espie essa clássica cantada (e funciona):
“Ô, meu bem; meu coração por ti gela!”.
Pronuncie as ultimas palavras juntas e confira o resultado (um belo fora).
Atenção especial com palavras iniciadas vogal. No caso de “América”, pó exemplo, separe bem o “A” de “me”. Já em “Ambrósio” é diferente; separe “Am” de “bró”.
Palavras terminadas em “te” não são iguais que com “t”. No primeiro caso o “e” deve soar bem, enquanto que no outro o som é rápido e quase imperceptível. Exemplos; “carinhosamente” e “pierrot”. Aliás, letras consoantes como d, f, p, t, e v isoladas no fim da sílaba não devem ser pronunciadas como são faladas no alfabeto. No ABC lemos v como “vê”. Porém, na palavra Tchaikovsky seu som é um “v” rápido. A onomatopéia (representação escrita dos sons) “zzzzzz” não deve ser lida como “zêzêzê...”. Apenas como o som seco de z prolongadamente.
Em geral, respeitando a divisão silábica, procure falar mais ou menos articuladamente. Ou melhor, ar-ti-cu-la-da-men-te. Isso vale para quando for cantar também.
Palavrões (palavras enormes) devem ser ligeiramente divididos em duas ou três silabas na hora de serem pronunciadas. Ex. “Tessalonicenses” pode lido com uma divisão bem rápida em “Tessalo-nicenses”.
III-5 Volume
Quando dizemos “Fale mais alto” (não esqueça do “por favor”), estamos pedindo para que o outra aumente o volume do som. Contudo, na música (com sons variáveis de tonalidade) alto e baixo diz respeito a grave e agudo (veremos isso mais tarde). Nesse caso devemos especificar “mais volume” ou “menos volume”.
O volume da voz esta atrelada diretamente à força com que jorramos o ar boca a fora. Daí a necessidade de uma boa respiração e conservação dos órgãos internos.
Cada um tem seu limite para o volume. Não force jamais o volume da sua voz. Nem ao cantar, nem ao falar. Mas é possível dar mais consistência a ela com o decorrer do treinamento adequado, buscando o que você tem e não desenvolveu.
III-6 Variação do tom
Em torno do som grave (grosso) e agudo (fino) construímos a melodia, ou seja, a música em si. Existe, portanto, uma escala de tonalidades representadas por notas musicais com padrão internacional a serem executadas por instrumentos ou pela voz humana. Cantar consiste em representar fielmente (não esqueça disso) as notas musicais estabelecidas na melodia. Para tanto, é mister dominar a voz.
Para saber a importância dessa variação, pegue uma música (pode ser “Parabéns pra você”) e cante numa nota só e veja se agrada – verifique se não tem ninguém estranho por perto.
terça-feira, 24 de março de 2009
historia da musica
A Antigüidade
Muitas obras de arte da Antigüidade mostram músicos e seus instrumentos, entretanto não existem conhecimentos sobre como os antigos faziam seus instrumentos. Apenas umas poucas peças completas de música da Antigüidade ainda existem, quase todas do povo grego.
Egito - Por volta de 4.000 a.C., as pessoas batiam discos e paus uns contra os outros, utilizavam bastões de metal e cantavam. Posteriormente, nos grandes templos dos deuses, os sacerdotes treinavam coros para cantos de música ritual. Os músicos da corte cantavam e tocavam vários tipos de harpa e instrumentos de sopro e percussão. As bandas militares usavam trompetes e tambores.
Palestina - O povo palestino provavelmente não criou tanta música quanto os egípcios. A Bíblia contém a letra de muitas canções e cânticos hebraicos, como os Salmos, onde são mencionados harpas, pratos e outros instrumentos. A música no templo de Salomão, em Jerusalém, no século X a.C., provavelmente incluía trompetes e canto coral no acompanhamento de instrumentos de corda.
China - Os antigos chineses acreditavam que a música possuía poderes mágicos, achavam que ela refletia a ordem do universo. A música chinesa usava uma escala pentatônica (de cinco sons), e soava mais ou menos como as cinco teclas pretas do piano. Os músicos chineses tocavam cítara, várias espécies de flauta e instrumentos de percussão.
Índia - As tradições musicais da Índia remontam ao século XIII a.C.. O povo acreditava que a música estava diretamente ligada ao processo fundamental da vida humana. Na Antigüidade, criaram música religiosa e por volta do século IV a.C. elaboraram teorias musicais. Os músicos tocavam instrumentos de sopro, cordas e percussão. A música indiana era baseada num sistema de tons e semitons; em vez de empregar notas, os compositores seguiam uma complicada série de fórmulas chamadas ragas. As ragas permitiam a escolha entre certas notas, mas exigiam a omissão de outras.
Grécia - Os gregos usavam as letras do alfabeto para representar notas musicais. Agrupavam essas notas em tetracordes (sucessão de quatro sons). Combinando esses tetracordes de várias maneiras, os gregos criaram grupos de notas chamados modos. Os modos foram os predecessores das escalas diatônicas maiores e menores. Os pensadores gregos construíram teorias musicais mais elaboradas do que qualquer outro povo da Antigüidade. Pitágoras, um grego que viveu no século VI a.C., achava que a Música e a Matemática poderiam fornecer a chave para os segredos do mundo. Acreditava que os planetas produziam diferentes tonalidades harmônicas e que o próprio universo cantava. Essa crença demonstra a importância da música no culto grego, assim como na dança e nas tragédias.
Roma - Os romanos copiaram teorias musicais e técnicas de execução dos gregos, mas também inventaram instrumentos novos como o trompete reto, a que chamavam de tuba. Usavam freqüentemente o hydraulis, o primeiro órgão de tubos; o fluxo constante de ar nos tubos era mantido por meio de pressão de água.
Idade Média
Os cânticos faziam parte do culto cristão desde os primórdios do cristianismo. Desenvolveram-se até tomar a forma de uma espécie de melodia chamada cantochão. Santo Ambrósio ajudou a elaborar uma série de regras para manter um estilo adequado ao canto de hinos sacros. A música que obedece a essas regras é chamada canto ambrosiano. Foi a primeira forma sistematizada do cantochão. Com o Papa Gregório, o Grande, os eclesiásticos criaram o canto gregoriano, que é o mais conhecido hoje em dia.
O cantochão era construído sobre uma série de modos semelhantes aos da música grega. A escala diatônica de hoje fixa as alturas de certas notas e indica as relações entre as notas; o cantochão, entretanto, nem sempre estabelecia a altura das notas; determinava apenas as relações entre elas, não tinha harmonia nem acompanhamento. A música da Antigüidade e dos primórdios da Era Medieval tem apenas uma linha melódica cantada e tocada por todos os executantes e é freqüentemente chamada monofonia. No início da Idade Média, todos cantavam tanto a música sacra como a profana ou secular (não religiosa) na forma monofônica.
Depois desejaram cantar e tocar uma música mais interessante e mais complexa do que a monofônica. Reuniram duas ou mais melodias, criando um tipo de música chamada polifonia, que significa muitos sons. A polifonia apareceu na Europa mais ou menos no século IX.. O contraponto (escrita polifônica) desenvolveu-se nos 800 anos seguintes.
Música Renascentista
A Renascença, na música, data do século XIV no sul da Europa e de um pouco mais tarde no norte europeu. Os compositores desejavam escrever música secular sem se preocupar com as práticas da Igreja. Sentiam-se atraídos pelas possibilidades da escrita polifônica, na qual cada voz podia ter sua própria linha melódica. A escrita polifônica fornecia oportunidades técnicas para efeitos de grande brilho, que eram impossíveis até então. Uma forma secular de composição, o madrigal, surgiu no século XIV, na Itália. Os compositores escreviam madrigais em sua própria língua, em vez de usar o latim. Compositores flamengos escreveram obras neste estilo, embora se dedicassem quase essencialmente à composição sacra.
Na Itália, Giovanni Palestrina, criou o mais importante sistema de escrita polifônica que antecedeu a Bach. Durante a Renascença, a música inglesa atingiu o apogeu, surgiram grandes compositores madrigalistas ingleses que musicavam a poesia da época.
Música Barroca
A música barroca substituiu o estilo renascentista após o século XVII e dominou a música européia até cerca 1750. Era elaborada e emocional, ideal para integrar-se a enredos dramáticos. A ópera era a mais importante novidade em forma musical, seguida de perto pelo oratório. A música italiana barroca atingiu o auge com as obras de Antônio Vivaldi.
O início do século XVIII foi marcado por dois grandes compositores: Bach e Haëndel. A família de Bach era composta de músicos que atuaram do século XVI ao século, 50 membros desta família Johann Sebastian foi o seu maior representante, e foi com quem a música barroca atingiu o seu ponto culminante. Haëndel desenvolveu-se na Inglaterra, compôs peças musicais de vários gêneros, mas sobretudo grande número de oratórios, onde seu estilo se caracteriza pela grandiosidade.
Música Clássica
Os compositores clássicos acreditavam que a música deveria ter uma forma polida e galante, só desejavam expressar emoções de uma maneira refinada e educada. Suas obras são cheias de brilhantismo e vivacidade. Entre os compositores que dominaram a época estão: Joseph Haydn e Wolfgang Amadeus Mozart, ambos com uma obra vastíssima. Haydn compôs mais de 100 sinfonias, enquanto Mozart compôs mais de 600 peças. Ambos desempenharam um papel importante no desenvolvimento da sonata para piano, nos quartetos de cordas e em outras formas musicais.
Romantismo
Os compositores românticos achavam o estilo de música do Classicismo artificial. Sentiam que a música poderia ser fantasiosa e emocional, com a imaginação fornecendo os meios e o sentimento expressando o estado de espírito. A força da expressão substituía o refinamento que faltava em suas obras. Muitos compositores importantes surgiram nesta época: Beethoven, que apesar de ser um mestre das formas clássicas, afastava-se delas sempre que isso lhe parecia necessário para atingir suas metas artísticas. Era fundamentalmente um classicista, mas escreveu obras de espírito romântico. Franz Schubert, um extraordinário compositor do início do romantismo. Carl Maria von Webwer, alemão que imprimiu o primeiro exemplo importante de espírito nacionalista à ópera. Mendelssohn, também alemão que obteve fama por sua música instrumental e teve o grande mérito de ter renovado o interesse pela música de Bach.
Nesta época também surgiu o polonês Frederic Chopin, que passou a maior parte de sua vida na França e é famoso por suas peças para piano.
Nacionalismo
Um dos frutos do romantismo foi que muitos compositores começaram a procurar, de diversas maneiras, expressar na música os sentimentos de seu povo. O nacionalismo musical desenvolveu-se de diversas formas em vários países; muitos compositores estudaram o folclore de seu país e aproveitaram música folclórica em suas obras.
Na França, o nacionalismo criou uma marcante e nova tradição na ópera e em obras sinfônicas dramáticas. George Bizet compôs Carmen, uma das mais conhecidas e executadas óperas até hoje. Franz Liszt, húngaro de nascimento, mas que estendeu suas atividades tanto à França como à Alemanha, representa um vínculo musical entre esses dois países.
Na Alemanha, Richard Wagner dominou a forma operística com seus revolucionários dramas musicais. Johannes Brahms rejeitou a influência do teatro e procurou dar continuidade à tradição de Beethoven, preferia a música pura sem dramatizações. A valsa do estilo vienense e a ópera ligeira começaram com Johann Strauss e atingiram o auge com seu filho.
Na Itália, Rossini, Puccini e Verdi desenvolveram a ópera que atingiu o auge e seus mais belos momentos.
O mais popular compositor russo é Tchaikovsky, com sinfonias que continuam a ser as mais admiradas obras russas do gênero. Rachmaninoff concentrou-se principalmente em peças para o piano.
Música no século XX
O século XX presenciou o desenvolvimento de quatro aspectos importantes na história da música:
1) o sempre crescente espírito nacionalista;
2) o aparecimento de importantes compositores norte-americanos e latino-americanos;
3) a ascensão de estilos internacionais na música, pela primeira vez desde o período clássico do século XVIII;
4) a procura de novos princípios harmônicos que substituíssem a harmonia tradicional de tônica-dominante.
1) O Nacionalismo tornou-se marcante na música espanhola. Os compositores soviéticos, dominados pelo governo comunista, criaram uma perspectiva oficialmente anti-romântica, conhecida como realismo socialista.
Os mestres húngaros escreveram obras calcadas em canções folclóricas mas com um estilo pessoal.
2) Novos compositores americanos começaram a expressar idéias de vanguarda de muita importância na música do século XX. A América Latina produziu compositores muito importantes como o mexicano Carlos Chávez e o brasileiro Heitor Villa Lobos.
3) Estilos internacionais. No início do século XX surgiu o Impressionismo, criado na França por Claude Debussy e mais tarde com Maurice Ravel. O compositor russo Igor Stravinsky, foi um inovador por excelência, criando vários estilos musicais. Suas criações levaram-no do nacionalismo e neoclassicismo até as composições dodecafônicas. Os primeiros balés de Stravinsky, especialmente A Sagração da Primavera, foram logo aceitos como clássicos contemporâneos.
4) Novos princípios harmônicos: os músicos acreditavam que já haviam esgotado todos os recursos do sistema tônica-dominante e sentiam que a música precisava de uma estrutura harmônica nova. Muitas inovações foram feitas e despertaram uma reação violenta de protesto, tanto do público como de compositores conservadores e críticos. Fizeram experiências de atonalidade e de politonalidade (duas ou mais tonalidades mesmo tempo)
Na década de 60, o nacionalismo deixou de representar uma força na música erudita. O mundo musical apresentava uma situação semelhante ao século XVII, quando estilos internacionais dominavam o cenário musical e compositores das mais diversas procedências e escolas podiam compartilhar dos mesmos pontos de vista artísticos. Nos países comunistas, o realismo socialista era o estilo oficial.
Alguns compositores continuaram a criar dentro dos conceitos de harmonia diatônica ou cromática. Ampliaram os limites de sistema harmônico de tônica-dominante, sem o destruir. Embora fossem combatidos por críticos e outros compositores, que os acusavam de conservadores, conseguiam obter o aplauso de um grande público amante da música. Vários compositores ocasionalmente omitiram o intérprete em favor da música eletrônica, que aumentou muito as possibilidades técnicas abertas ao compositor e à e
expressão musical.
Stockhausen e John Cage tornaram-se figuras importantes na criação e desenvolvimento da música aleatória ou improvisada. Ao contrário da música eletrônica, a música aleatória depende principalmente do intérprete. O compositor propõe alguns elementos rítmicos, harmônicos e melódicos e o intérprete a partir daí, cria sua própria interpretação. Por este motivo, não existem duas execuções iguais da mesma composição aleatória.
Muitas obras de arte da Antigüidade mostram músicos e seus instrumentos, entretanto não existem conhecimentos sobre como os antigos faziam seus instrumentos. Apenas umas poucas peças completas de música da Antigüidade ainda existem, quase todas do povo grego.
Egito - Por volta de 4.000 a.C., as pessoas batiam discos e paus uns contra os outros, utilizavam bastões de metal e cantavam. Posteriormente, nos grandes templos dos deuses, os sacerdotes treinavam coros para cantos de música ritual. Os músicos da corte cantavam e tocavam vários tipos de harpa e instrumentos de sopro e percussão. As bandas militares usavam trompetes e tambores.
Palestina - O povo palestino provavelmente não criou tanta música quanto os egípcios. A Bíblia contém a letra de muitas canções e cânticos hebraicos, como os Salmos, onde são mencionados harpas, pratos e outros instrumentos. A música no templo de Salomão, em Jerusalém, no século X a.C., provavelmente incluía trompetes e canto coral no acompanhamento de instrumentos de corda.
China - Os antigos chineses acreditavam que a música possuía poderes mágicos, achavam que ela refletia a ordem do universo. A música chinesa usava uma escala pentatônica (de cinco sons), e soava mais ou menos como as cinco teclas pretas do piano. Os músicos chineses tocavam cítara, várias espécies de flauta e instrumentos de percussão.
Índia - As tradições musicais da Índia remontam ao século XIII a.C.. O povo acreditava que a música estava diretamente ligada ao processo fundamental da vida humana. Na Antigüidade, criaram música religiosa e por volta do século IV a.C. elaboraram teorias musicais. Os músicos tocavam instrumentos de sopro, cordas e percussão. A música indiana era baseada num sistema de tons e semitons; em vez de empregar notas, os compositores seguiam uma complicada série de fórmulas chamadas ragas. As ragas permitiam a escolha entre certas notas, mas exigiam a omissão de outras.
Grécia - Os gregos usavam as letras do alfabeto para representar notas musicais. Agrupavam essas notas em tetracordes (sucessão de quatro sons). Combinando esses tetracordes de várias maneiras, os gregos criaram grupos de notas chamados modos. Os modos foram os predecessores das escalas diatônicas maiores e menores. Os pensadores gregos construíram teorias musicais mais elaboradas do que qualquer outro povo da Antigüidade. Pitágoras, um grego que viveu no século VI a.C., achava que a Música e a Matemática poderiam fornecer a chave para os segredos do mundo. Acreditava que os planetas produziam diferentes tonalidades harmônicas e que o próprio universo cantava. Essa crença demonstra a importância da música no culto grego, assim como na dança e nas tragédias.
Roma - Os romanos copiaram teorias musicais e técnicas de execução dos gregos, mas também inventaram instrumentos novos como o trompete reto, a que chamavam de tuba. Usavam freqüentemente o hydraulis, o primeiro órgão de tubos; o fluxo constante de ar nos tubos era mantido por meio de pressão de água.
Idade Média
Os cânticos faziam parte do culto cristão desde os primórdios do cristianismo. Desenvolveram-se até tomar a forma de uma espécie de melodia chamada cantochão. Santo Ambrósio ajudou a elaborar uma série de regras para manter um estilo adequado ao canto de hinos sacros. A música que obedece a essas regras é chamada canto ambrosiano. Foi a primeira forma sistematizada do cantochão. Com o Papa Gregório, o Grande, os eclesiásticos criaram o canto gregoriano, que é o mais conhecido hoje em dia.
O cantochão era construído sobre uma série de modos semelhantes aos da música grega. A escala diatônica de hoje fixa as alturas de certas notas e indica as relações entre as notas; o cantochão, entretanto, nem sempre estabelecia a altura das notas; determinava apenas as relações entre elas, não tinha harmonia nem acompanhamento. A música da Antigüidade e dos primórdios da Era Medieval tem apenas uma linha melódica cantada e tocada por todos os executantes e é freqüentemente chamada monofonia. No início da Idade Média, todos cantavam tanto a música sacra como a profana ou secular (não religiosa) na forma monofônica.
Depois desejaram cantar e tocar uma música mais interessante e mais complexa do que a monofônica. Reuniram duas ou mais melodias, criando um tipo de música chamada polifonia, que significa muitos sons. A polifonia apareceu na Europa mais ou menos no século IX.. O contraponto (escrita polifônica) desenvolveu-se nos 800 anos seguintes.
Música Renascentista
A Renascença, na música, data do século XIV no sul da Europa e de um pouco mais tarde no norte europeu. Os compositores desejavam escrever música secular sem se preocupar com as práticas da Igreja. Sentiam-se atraídos pelas possibilidades da escrita polifônica, na qual cada voz podia ter sua própria linha melódica. A escrita polifônica fornecia oportunidades técnicas para efeitos de grande brilho, que eram impossíveis até então. Uma forma secular de composição, o madrigal, surgiu no século XIV, na Itália. Os compositores escreviam madrigais em sua própria língua, em vez de usar o latim. Compositores flamengos escreveram obras neste estilo, embora se dedicassem quase essencialmente à composição sacra.
Na Itália, Giovanni Palestrina, criou o mais importante sistema de escrita polifônica que antecedeu a Bach. Durante a Renascença, a música inglesa atingiu o apogeu, surgiram grandes compositores madrigalistas ingleses que musicavam a poesia da época.
Música Barroca
A música barroca substituiu o estilo renascentista após o século XVII e dominou a música européia até cerca 1750. Era elaborada e emocional, ideal para integrar-se a enredos dramáticos. A ópera era a mais importante novidade em forma musical, seguida de perto pelo oratório. A música italiana barroca atingiu o auge com as obras de Antônio Vivaldi.
O início do século XVIII foi marcado por dois grandes compositores: Bach e Haëndel. A família de Bach era composta de músicos que atuaram do século XVI ao século, 50 membros desta família Johann Sebastian foi o seu maior representante, e foi com quem a música barroca atingiu o seu ponto culminante. Haëndel desenvolveu-se na Inglaterra, compôs peças musicais de vários gêneros, mas sobretudo grande número de oratórios, onde seu estilo se caracteriza pela grandiosidade.
Música Clássica
Os compositores clássicos acreditavam que a música deveria ter uma forma polida e galante, só desejavam expressar emoções de uma maneira refinada e educada. Suas obras são cheias de brilhantismo e vivacidade. Entre os compositores que dominaram a época estão: Joseph Haydn e Wolfgang Amadeus Mozart, ambos com uma obra vastíssima. Haydn compôs mais de 100 sinfonias, enquanto Mozart compôs mais de 600 peças. Ambos desempenharam um papel importante no desenvolvimento da sonata para piano, nos quartetos de cordas e em outras formas musicais.
Romantismo
Os compositores românticos achavam o estilo de música do Classicismo artificial. Sentiam que a música poderia ser fantasiosa e emocional, com a imaginação fornecendo os meios e o sentimento expressando o estado de espírito. A força da expressão substituía o refinamento que faltava em suas obras. Muitos compositores importantes surgiram nesta época: Beethoven, que apesar de ser um mestre das formas clássicas, afastava-se delas sempre que isso lhe parecia necessário para atingir suas metas artísticas. Era fundamentalmente um classicista, mas escreveu obras de espírito romântico. Franz Schubert, um extraordinário compositor do início do romantismo. Carl Maria von Webwer, alemão que imprimiu o primeiro exemplo importante de espírito nacionalista à ópera. Mendelssohn, também alemão que obteve fama por sua música instrumental e teve o grande mérito de ter renovado o interesse pela música de Bach.
Nesta época também surgiu o polonês Frederic Chopin, que passou a maior parte de sua vida na França e é famoso por suas peças para piano.
Nacionalismo
Um dos frutos do romantismo foi que muitos compositores começaram a procurar, de diversas maneiras, expressar na música os sentimentos de seu povo. O nacionalismo musical desenvolveu-se de diversas formas em vários países; muitos compositores estudaram o folclore de seu país e aproveitaram música folclórica em suas obras.
Na França, o nacionalismo criou uma marcante e nova tradição na ópera e em obras sinfônicas dramáticas. George Bizet compôs Carmen, uma das mais conhecidas e executadas óperas até hoje. Franz Liszt, húngaro de nascimento, mas que estendeu suas atividades tanto à França como à Alemanha, representa um vínculo musical entre esses dois países.
Na Alemanha, Richard Wagner dominou a forma operística com seus revolucionários dramas musicais. Johannes Brahms rejeitou a influência do teatro e procurou dar continuidade à tradição de Beethoven, preferia a música pura sem dramatizações. A valsa do estilo vienense e a ópera ligeira começaram com Johann Strauss e atingiram o auge com seu filho.
Na Itália, Rossini, Puccini e Verdi desenvolveram a ópera que atingiu o auge e seus mais belos momentos.
O mais popular compositor russo é Tchaikovsky, com sinfonias que continuam a ser as mais admiradas obras russas do gênero. Rachmaninoff concentrou-se principalmente em peças para o piano.
Música no século XX
O século XX presenciou o desenvolvimento de quatro aspectos importantes na história da música:
1) o sempre crescente espírito nacionalista;
2) o aparecimento de importantes compositores norte-americanos e latino-americanos;
3) a ascensão de estilos internacionais na música, pela primeira vez desde o período clássico do século XVIII;
4) a procura de novos princípios harmônicos que substituíssem a harmonia tradicional de tônica-dominante.
1) O Nacionalismo tornou-se marcante na música espanhola. Os compositores soviéticos, dominados pelo governo comunista, criaram uma perspectiva oficialmente anti-romântica, conhecida como realismo socialista.
Os mestres húngaros escreveram obras calcadas em canções folclóricas mas com um estilo pessoal.
2) Novos compositores americanos começaram a expressar idéias de vanguarda de muita importância na música do século XX. A América Latina produziu compositores muito importantes como o mexicano Carlos Chávez e o brasileiro Heitor Villa Lobos.
3) Estilos internacionais. No início do século XX surgiu o Impressionismo, criado na França por Claude Debussy e mais tarde com Maurice Ravel. O compositor russo Igor Stravinsky, foi um inovador por excelência, criando vários estilos musicais. Suas criações levaram-no do nacionalismo e neoclassicismo até as composições dodecafônicas. Os primeiros balés de Stravinsky, especialmente A Sagração da Primavera, foram logo aceitos como clássicos contemporâneos.
4) Novos princípios harmônicos: os músicos acreditavam que já haviam esgotado todos os recursos do sistema tônica-dominante e sentiam que a música precisava de uma estrutura harmônica nova. Muitas inovações foram feitas e despertaram uma reação violenta de protesto, tanto do público como de compositores conservadores e críticos. Fizeram experiências de atonalidade e de politonalidade (duas ou mais tonalidades mesmo tempo)
Na década de 60, o nacionalismo deixou de representar uma força na música erudita. O mundo musical apresentava uma situação semelhante ao século XVII, quando estilos internacionais dominavam o cenário musical e compositores das mais diversas procedências e escolas podiam compartilhar dos mesmos pontos de vista artísticos. Nos países comunistas, o realismo socialista era o estilo oficial.
Alguns compositores continuaram a criar dentro dos conceitos de harmonia diatônica ou cromática. Ampliaram os limites de sistema harmônico de tônica-dominante, sem o destruir. Embora fossem combatidos por críticos e outros compositores, que os acusavam de conservadores, conseguiam obter o aplauso de um grande público amante da música. Vários compositores ocasionalmente omitiram o intérprete em favor da música eletrônica, que aumentou muito as possibilidades técnicas abertas ao compositor e à e
expressão musical.
Stockhausen e John Cage tornaram-se figuras importantes na criação e desenvolvimento da música aleatória ou improvisada. Ao contrário da música eletrônica, a música aleatória depende principalmente do intérprete. O compositor propõe alguns elementos rítmicos, harmônicos e melódicos e o intérprete a partir daí, cria sua própria interpretação. Por este motivo, não existem duas execuções iguais da mesma composição aleatória.
quarta-feira, 18 de fevereiro de 2009
10ºAULA TEC VOCAL Trabalho nos intervalos
10ºAULA TEC VOCAL
Trabalho nos intervalos:
Para que você tenha uma bagagem boa na realização de arranjos vocais, é
necessário conhecer bem os intervalos e experimentar as aberturas em
Terças, Quartas, Quintas, e Sextas.
Estilos: Dependendo da idéia do arranjo, utilizam-se intervalos próprios
a fim de gerar o clima ideal.
Exemplo: No pop-rock é difícil utilizar na abertura vocal intervalos de
terça. Embora sejam muito comuns em outros estilos, ficamos nos
perguntando o que é aquele detalhezinho que falta no vocal pra deixar o
som legal. Na verdade, o vocal canta muito intervalos de segunda maior,
e quarta justa, e quando não, em quintas. Pra desenvolver isto, coloque
um cd ou dvd do estilo que você quer aprender e observe o trabalho
vocal. Comece a cantar junto e faça a análise harmônica do que aquele
vocalista está fazendo, por exemplo, quando soa aquela nota, você deve
saber que grau é aquele, se uma nona, uma sétima, uma segunda, etc.
Depois você precisa analisar que grau aquele representa em relação à
melodia. Ex: Se a melodia estiver no quinto grau e o vocal estiver
cantando um sexto grau, então este intervalo é de segunda maior..
Dinâmica - Também se utiliza a dinâmica vocal para conseguir o efeito
desejado de som vocal, tais como: agressivo, alegre, melancólico, suave,
jovem, forte, vigoroso, introspectivo, reflexivo, sensível, etc. Saber
como cantar e quando cantar é essencial para um vocalista. Aquele
backing-vocal que fica cantando o tempo todo, enchendo todo o espaço de
frases bem elaboradas e dobrando todas as notas da harmonia acaba se
tornando um chato. Isto porque ele colabora para poluir a música,
deixando-a "suja". Às vezes é necessário suavizar, "baixar a bola"
mesmo. Nem sempre todos os vocais cantam ao mesmo tempo, fica muito bom
se de repente soa apenas uma voz com a melodia, cantando mais forte, as
outras só dando um suporte. Use a criatividade e o bom senso.
Scat - É a utilização de sons vocais como onomatopéias, com o objetivo
de imitar instrumentos musicais. Esta técnica é comum em canções a
capella, mas também pode ser utilizado em arranjos de lead vocal.
Experimente cantar uma melodia só com sons tipo - Dah, dah, com a
harmonia aberta.
Trabalho nos intervalos:
Para que você tenha uma bagagem boa na realização de arranjos vocais, é
necessário conhecer bem os intervalos e experimentar as aberturas em
Terças, Quartas, Quintas, e Sextas.
Estilos: Dependendo da idéia do arranjo, utilizam-se intervalos próprios
a fim de gerar o clima ideal.
Exemplo: No pop-rock é difícil utilizar na abertura vocal intervalos de
terça. Embora sejam muito comuns em outros estilos, ficamos nos
perguntando o que é aquele detalhezinho que falta no vocal pra deixar o
som legal. Na verdade, o vocal canta muito intervalos de segunda maior,
e quarta justa, e quando não, em quintas. Pra desenvolver isto, coloque
um cd ou dvd do estilo que você quer aprender e observe o trabalho
vocal. Comece a cantar junto e faça a análise harmônica do que aquele
vocalista está fazendo, por exemplo, quando soa aquela nota, você deve
saber que grau é aquele, se uma nona, uma sétima, uma segunda, etc.
Depois você precisa analisar que grau aquele representa em relação à
melodia. Ex: Se a melodia estiver no quinto grau e o vocal estiver
cantando um sexto grau, então este intervalo é de segunda maior..
Dinâmica - Também se utiliza a dinâmica vocal para conseguir o efeito
desejado de som vocal, tais como: agressivo, alegre, melancólico, suave,
jovem, forte, vigoroso, introspectivo, reflexivo, sensível, etc. Saber
como cantar e quando cantar é essencial para um vocalista. Aquele
backing-vocal que fica cantando o tempo todo, enchendo todo o espaço de
frases bem elaboradas e dobrando todas as notas da harmonia acaba se
tornando um chato. Isto porque ele colabora para poluir a música,
deixando-a "suja". Às vezes é necessário suavizar, "baixar a bola"
mesmo. Nem sempre todos os vocais cantam ao mesmo tempo, fica muito bom
se de repente soa apenas uma voz com a melodia, cantando mais forte, as
outras só dando um suporte. Use a criatividade e o bom senso.
Scat - É a utilização de sons vocais como onomatopéias, com o objetivo
de imitar instrumentos musicais. Esta técnica é comum em canções a
capella, mas também pode ser utilizado em arranjos de lead vocal.
Experimente cantar uma melodia só com sons tipo - Dah, dah, com a
harmonia aberta.
9ºAULA TEC VOCAL Harmonia Vocal
Harmonia Vocal
Para este nível espera-se que o aluno domine, ou ao menos conheça bem os
conceitos básicos de técnica vocal, e tenha bagagem musical até formação
de escalas, acordes e intervalos.
Caso você não tenha a bagagem suficiente para este estudo, não deixe de
ler as considerações importantes ao fim deste estudo.
Formação dos Naipes Vocais
10º AULA TEC VOCAL
Conceitos de divisão dos naipes:
O estudo da música erudita nos apresenta a divisão dos naipes vocais da
seguinte forma:
Sopranos, mezzo-sopranos e contraltos são considerados vozes femininas;
Contra-tenores, tenores, barítonos e baixos são considerados vozes
masculinas.
A música moderna, porém, nos apresenta várias formas diferentes de se
trabalhar padrões vocais, tornando, portanto, este conceito "limitado"
no sentido de tudo quanto se pode extrair da técnica vocal nos dias de
hoje. Um exemplo de que o conceito torna-se ultrapassado é o fato de
que, no estudo erudito da técnica, existe uma tessitura pré-estabelecida
para cada divisão, o que não ocorre na música moderna, onde um vocalista
masculino pode como bem entender utilizar-se de técnicas para atingir
sons pertencentes à tessitura feminina.
Abertura - o termo refere-se ao modelo de intervalos usados para a
divisão de vozes.
Existem vários tipos de abertura vocal:
Praticando: Experimente formar um grupo de pessoas, no mínimo quatro, e
cante uma canção bem conhecida e fácil, com o acompanhamento de um
instrumento. Peça pra que todos abram a harmonia vocal intuitivamente.
Geralmente este tipo de abertura, muito usada em coral, é formada no
padrão de terças. Agora, troque a 2ª voz pela 3ª (contralto faz a voz do
tenor), e a 3ª voz pela 2ª uma oitava a baixo (tenor faz contralto, como
se fosse baixo). Três vozes distintas, com intervalos maiores entre
elas. Provavelmente esta abertura estará no padrão de quintas. Este tipo
de harmonia é muito rico pela quantidade de harmônicos que produz na sua
interpretação, dá a sensação de amplitude, como se houvessem mais
pessoas cantando.
Depois de fazer este exercício, tente colocar em evidência as notas
dissonantes da harmonia. Para isto, utilize acordes com nona, com sétima
e acordes "sus". Toque o acorde e distribua as notas deste acorde para
os vocalistas cantarem. Deixe-os acostumarem-se com o som, e então, vá
"encrencando" os acordes com alterações, como diminutos e aumentados,
etc. Isto aumenta a capacidade auditiva dos vocalistas e ajuda-os a
entrosarem-se melhor com a banda, sempre ouvindo a harmonia que está
"rolando" e encaixando-se.
Para este nível espera-se que o aluno domine, ou ao menos conheça bem os
conceitos básicos de técnica vocal, e tenha bagagem musical até formação
de escalas, acordes e intervalos.
Caso você não tenha a bagagem suficiente para este estudo, não deixe de
ler as considerações importantes ao fim deste estudo.
Formação dos Naipes Vocais
10º AULA TEC VOCAL
Conceitos de divisão dos naipes:
O estudo da música erudita nos apresenta a divisão dos naipes vocais da
seguinte forma:
Sopranos, mezzo-sopranos e contraltos são considerados vozes femininas;
Contra-tenores, tenores, barítonos e baixos são considerados vozes
masculinas.
A música moderna, porém, nos apresenta várias formas diferentes de se
trabalhar padrões vocais, tornando, portanto, este conceito "limitado"
no sentido de tudo quanto se pode extrair da técnica vocal nos dias de
hoje. Um exemplo de que o conceito torna-se ultrapassado é o fato de
que, no estudo erudito da técnica, existe uma tessitura pré-estabelecida
para cada divisão, o que não ocorre na música moderna, onde um vocalista
masculino pode como bem entender utilizar-se de técnicas para atingir
sons pertencentes à tessitura feminina.
Abertura - o termo refere-se ao modelo de intervalos usados para a
divisão de vozes.
Existem vários tipos de abertura vocal:
Praticando: Experimente formar um grupo de pessoas, no mínimo quatro, e
cante uma canção bem conhecida e fácil, com o acompanhamento de um
instrumento. Peça pra que todos abram a harmonia vocal intuitivamente.
Geralmente este tipo de abertura, muito usada em coral, é formada no
padrão de terças. Agora, troque a 2ª voz pela 3ª (contralto faz a voz do
tenor), e a 3ª voz pela 2ª uma oitava a baixo (tenor faz contralto, como
se fosse baixo). Três vozes distintas, com intervalos maiores entre
elas. Provavelmente esta abertura estará no padrão de quintas. Este tipo
de harmonia é muito rico pela quantidade de harmônicos que produz na sua
interpretação, dá a sensação de amplitude, como se houvessem mais
pessoas cantando.
Depois de fazer este exercício, tente colocar em evidência as notas
dissonantes da harmonia. Para isto, utilize acordes com nona, com sétima
e acordes "sus". Toque o acorde e distribua as notas deste acorde para
os vocalistas cantarem. Deixe-os acostumarem-se com o som, e então, vá
"encrencando" os acordes com alterações, como diminutos e aumentados,
etc. Isto aumenta a capacidade auditiva dos vocalistas e ajuda-os a
entrosarem-se melhor com a banda, sempre ouvindo a harmonia que está
"rolando" e encaixando-se.
8º AULA TEC VOCAL Voz e Instrumento
8º AULA TEC VOCAL
Voz e Instrumento
Para quem toca e canta, o trabalho é dobrado e a atenção dividida, mas é muito compensador, pela independência e autonomia que nos dá.
No caso do piano ou teclado e voz é mais fácil, não só pela posição, pois ficamos mais eretos e podemos prestar mais atenção ao diafragma e respiração, mas pelo piano ser um instrumento mais completo e não precisar adequar os tons, pela facilidade de qualquer acorde soar bem.
No caso do violão ou guitarra, é um namoro mais difícil, mas muito prazeroso quando se entra num acordo entre o que quer a voz e o que pode o instrumento. Também precisamos prestar mais atenção à postura, para não comprimir o diafragma.
Há quem cante e toque bateria, percussão, acordeon, baixo, etc, mas o trabalho é sempre o mesmo: dividir a atenção entre a voz e o instrumento, da maneira mais harmoniosa possível. Para isso, são necessários estudo e treino, se possível diários.
Você pode escolher entre se aprimorar no instrumento, fazendo solos inclusive, ou só se acompanhar com a parte harmônica e rítmica, deixando a melodia para a voz. Tudo questão de escolha.
Voz e Instrumento
Para quem toca e canta, o trabalho é dobrado e a atenção dividida, mas é muito compensador, pela independência e autonomia que nos dá.
No caso do piano ou teclado e voz é mais fácil, não só pela posição, pois ficamos mais eretos e podemos prestar mais atenção ao diafragma e respiração, mas pelo piano ser um instrumento mais completo e não precisar adequar os tons, pela facilidade de qualquer acorde soar bem.
No caso do violão ou guitarra, é um namoro mais difícil, mas muito prazeroso quando se entra num acordo entre o que quer a voz e o que pode o instrumento. Também precisamos prestar mais atenção à postura, para não comprimir o diafragma.
Há quem cante e toque bateria, percussão, acordeon, baixo, etc, mas o trabalho é sempre o mesmo: dividir a atenção entre a voz e o instrumento, da maneira mais harmoniosa possível. Para isso, são necessários estudo e treino, se possível diários.
Você pode escolher entre se aprimorar no instrumento, fazendo solos inclusive, ou só se acompanhar com a parte harmônica e rítmica, deixando a melodia para a voz. Tudo questão de escolha.
7ºAULA TEC VOCAL Uso do Microfone
7ºAULA TEC VOCAL
Uso do Microfone
Muita gente fica inibida com o microfone, mas para nós, cantores populares, ele é nosso grande aliado. Com ele utilizamos menos força física, podemos lapidar a emissão vocal tirando ou colocando graves, médios e agudos, se a mesa de som for boa. É bom que você se acostume a ser seu próprio técnico, ou ao menos ter uma noção, pois há lugares em que você vai se apresentar que não dispõem de um técnico para o som.
Para isso, plugue o microfone e vá treinando, falando ou cantando, e mexendo nos botões de graves, médios, agudos e no "reverb", o eco. Quando estiver cantando, afaste um pouquinho o microfone quando for emitir agudos ou quiser colocar mais força física e emocional, não afaste demais a menos que tenha uma baita potência vocal e quiser mostrá-lo. Nos graves, aproxime-se mais do microfone. Deixe sempre a boca próxima, mas não grudada.
Cuidado com as palavras com a letra "P", que produz aquele "puff" incômodo, e o "S". Não exagere nas terminações porque ele sibila. No mais, é treinar e se ouvir.
O repertório
Bom, isso vai do gosto de cada um e depende do que você pretende com a música. A maioria das pessoas começa cantando na noite, em bares, ou numa banda que monta com os amigos. Agora, com o videokê, muita gente se descobre também. No princípio a maioria canta ou toca por hobbye, mas existem aqueles que já nascem sabendo que serão músicos profissionais, que estudam desde cedo e já sabem o que querem como músicos, outros descobrem-se mais tarde e outros tem sempre a música como lazer.
Onde você se encaixa? O trabalho com banda é muito legal, pois você aprende a trabalhar em grupo e a conhecer os outros instrumentos. Aí é ensaiar e conseguir lugar para tocar. O trabalho de voz e violão ou teclado é mais intimista, sozinho ou em duplas, ou ainda acrescentando a percussão, ou flauta, fica bom e mais fácil de arrumar trabalho, pois com o videokê diminuiram os espaços para música ao vivo.
Em bares, geralmente faz-se duas ou três entradas de cinquenta minutos, ou quarenta. Descansa-se quinze minutos nos intervalos.
Isso é muito cansativo para o cantor principalmente, a produção da voz é um trabalho físico e emocional que libera muita energia, você deve tomar bastante água natural na temperatura ambiente, antes, durante e depois de cada entrada, para repor os sais perdidos, siga os passos de "aquecimento, etc e higiene vocal". Nos intervalos coma algo leve,uma maçã, uma barra de cereal,que é calórica e não pesa no estômago. Em cada entrada você canta mais ou menos 10, 12 músicas, depende de como as canta, se repete a canção, se o músico sola. A média para 50min são doze músicas.
Se você faz apenas um show, em teatro ou outro espaço, a média da apresentação é de uma hora ou pouco mais, uma hora e vinte. Aí você escolhe umas quinze músicas, pensa nos arranjos, nos solos.
Em videokê você fica limitado ao repertório do local, e deve tentar colocar a música num tom adequado para sua voz, tem lá os comandos que abaixam e levantam os tons, vá tentando, até chegar no mais confortável pra você, testando graves e agudos. Comece tendo um repertório de no mínimo trinta músicas, isso vale pra todos, pra você poder variar, e já as tenha nos tons adequados para sua voz, trabalhe com o músico que o acompanha, o violonista ou tecladista para descobrir esses tons. Já o trabalho próprio é diferente.
Sozinho ou em banda, você tem que acreditar muito em sua música e batalhar para conseguir ser ouvido, pois a maioria das pessoas, como diz um amigo meu, "aplaude a própria memória", ou seja, aplaude aquilo que já conhece, é claro que isso não é uma regra, mas a maioria quer ouvir o que é conhecido. Mas se você pensar que, para aquela canção ter se tornado conhecida, precisou que alguém se dispusesse a ouvi-la primeiro, isso também pode acontecer com a sua. Uma boa dica é mesclar, colocar um pouco de músicas conhecidas e ir intercalando com as suas, até que as suas fiquem conhecidas. Ou se você tem um bando grande de amigos, levá-los sempre que pode para seus shows de canções próprias. O importante é saber que o meio musical é difícil, mas não impossível, é preciso acreditar, estudar e trabalhar muito, ter objetivos bem claros e direcionar-se para eles. Também procure a sua turma, há bares e espaços para todo tipo de música, aproxime-se do que combina com você, com suas idéias e sua música.
Uso do Microfone
Muita gente fica inibida com o microfone, mas para nós, cantores populares, ele é nosso grande aliado. Com ele utilizamos menos força física, podemos lapidar a emissão vocal tirando ou colocando graves, médios e agudos, se a mesa de som for boa. É bom que você se acostume a ser seu próprio técnico, ou ao menos ter uma noção, pois há lugares em que você vai se apresentar que não dispõem de um técnico para o som.
Para isso, plugue o microfone e vá treinando, falando ou cantando, e mexendo nos botões de graves, médios, agudos e no "reverb", o eco. Quando estiver cantando, afaste um pouquinho o microfone quando for emitir agudos ou quiser colocar mais força física e emocional, não afaste demais a menos que tenha uma baita potência vocal e quiser mostrá-lo. Nos graves, aproxime-se mais do microfone. Deixe sempre a boca próxima, mas não grudada.
Cuidado com as palavras com a letra "P", que produz aquele "puff" incômodo, e o "S". Não exagere nas terminações porque ele sibila. No mais, é treinar e se ouvir.
O repertório
Bom, isso vai do gosto de cada um e depende do que você pretende com a música. A maioria das pessoas começa cantando na noite, em bares, ou numa banda que monta com os amigos. Agora, com o videokê, muita gente se descobre também. No princípio a maioria canta ou toca por hobbye, mas existem aqueles que já nascem sabendo que serão músicos profissionais, que estudam desde cedo e já sabem o que querem como músicos, outros descobrem-se mais tarde e outros tem sempre a música como lazer.
Onde você se encaixa? O trabalho com banda é muito legal, pois você aprende a trabalhar em grupo e a conhecer os outros instrumentos. Aí é ensaiar e conseguir lugar para tocar. O trabalho de voz e violão ou teclado é mais intimista, sozinho ou em duplas, ou ainda acrescentando a percussão, ou flauta, fica bom e mais fácil de arrumar trabalho, pois com o videokê diminuiram os espaços para música ao vivo.
Em bares, geralmente faz-se duas ou três entradas de cinquenta minutos, ou quarenta. Descansa-se quinze minutos nos intervalos.
Isso é muito cansativo para o cantor principalmente, a produção da voz é um trabalho físico e emocional que libera muita energia, você deve tomar bastante água natural na temperatura ambiente, antes, durante e depois de cada entrada, para repor os sais perdidos, siga os passos de "aquecimento, etc e higiene vocal". Nos intervalos coma algo leve,uma maçã, uma barra de cereal,que é calórica e não pesa no estômago. Em cada entrada você canta mais ou menos 10, 12 músicas, depende de como as canta, se repete a canção, se o músico sola. A média para 50min são doze músicas.
Se você faz apenas um show, em teatro ou outro espaço, a média da apresentação é de uma hora ou pouco mais, uma hora e vinte. Aí você escolhe umas quinze músicas, pensa nos arranjos, nos solos.
Em videokê você fica limitado ao repertório do local, e deve tentar colocar a música num tom adequado para sua voz, tem lá os comandos que abaixam e levantam os tons, vá tentando, até chegar no mais confortável pra você, testando graves e agudos. Comece tendo um repertório de no mínimo trinta músicas, isso vale pra todos, pra você poder variar, e já as tenha nos tons adequados para sua voz, trabalhe com o músico que o acompanha, o violonista ou tecladista para descobrir esses tons. Já o trabalho próprio é diferente.
Sozinho ou em banda, você tem que acreditar muito em sua música e batalhar para conseguir ser ouvido, pois a maioria das pessoas, como diz um amigo meu, "aplaude a própria memória", ou seja, aplaude aquilo que já conhece, é claro que isso não é uma regra, mas a maioria quer ouvir o que é conhecido. Mas se você pensar que, para aquela canção ter se tornado conhecida, precisou que alguém se dispusesse a ouvi-la primeiro, isso também pode acontecer com a sua. Uma boa dica é mesclar, colocar um pouco de músicas conhecidas e ir intercalando com as suas, até que as suas fiquem conhecidas. Ou se você tem um bando grande de amigos, levá-los sempre que pode para seus shows de canções próprias. O importante é saber que o meio musical é difícil, mas não impossível, é preciso acreditar, estudar e trabalhar muito, ter objetivos bem claros e direcionar-se para eles. Também procure a sua turma, há bares e espaços para todo tipo de música, aproxime-se do que combina com você, com suas idéias e sua música.
6º AULA TEC VOCAL Tipos de Canto
6º AULA TEC VOCAL
Tipos de Canto
Existem dois tipos básicos de canto, com técnicas diferenciadas: o Lírico e o Popular.
O lírico, também chamado de Bel Canto, tem a voz como instrumento - o que emociona é o som, não tanto o texto. É o caminho da virtuose, como a ópera. Exige um esforço físico e emocional muito maior, são horas de treino para ter a voz em boas condições de cantar, há muito trabalho por trás de um cantor lírico, a impostação da voz é bem diferente do canto popular.
O popular, ao qual nos dirigimos neste curso, além do timbre e emoção, importa também o assunto, o sentido da mensagem e o modo como ela é passada (forma, melodia, o sentimento aliado à palavra). Por isso, ao escolher canções para seu repertório, procure ver se o que a letra está dizendo tem a ver com o que você pensa, ou se só está repetindo mecanicamente o que ouve. Isso é importante para você aliar emoção à palavra, para cantar de maneira mais integral, corpo e alma.
Procure a sua forma de cantar, que deve ser única, você pode ter cantores e cantoras como parâmetros mas nunca cantará igual a ninguém, pois para isso precisaria ter a mesma estrutura física e emocional que aquela pessoa. Impossível, certo?
Procure também os estilos que mais gosta. Estes estilos são muitos e variados, dentro da MPB mesmo há diversos estilos. Romântico, pop, rock, samba, blues, heavy, bossa, enfim, você pode cantar em português ou qualquer outra língua qualquer estilo. Invente, crie, pesquise. Procure ouvir muito, ver bons shows, não se atenha só ao que a mídia, como TV e rádio, lhe impõe, há muita música de qualidade excelente que não aparece na mídia.
Procure rádios alternativas e TVs educativas se quiser aprimorar seu conhecimento musical. Busque nos jornais de sua cidade os cadernos culturais, onde com certeza há indicações semanais de ótimos shows, e por fim procure em lojas de CD onde possa ouvir e escolher o quer levar.
Lembre-se que nenhum professor tem o poder de lhe transformar num cantor assim ou assado, ele é só um instrumento para lhe mostrar o caminho, mas o esforço maior para encontrá-lo é seu, pois só você pode saber o que realmente sua alma, mente e corpo necessitam. Se você prefere ser autodidata, recomendo que procure vídeos e livros sobre o assunto, além de ouvir muita música. A dica que posso dar é o livro da Clara Sandroni, "260 dicas para o cantor popular". O curso pela Internet é limitado pois impede a demonstração, por isso você deve procurar um professor em sua cidade, para depois que aprender o básico, tentar sozinho.
Vamos falar um porquinho sobre os elementos básicos da canção, que é o casamento da música com a letra.
Os elementos que estruturam uma composição musical são a Melodia, a Harmonia e o Ritmo. Pode ser só instrumental ou com letra, habituamos a chamar esta última de canção.
Melodia é a sucessão ascendente e descendente de notas, a intervalos e alturas variáveis, formando um fraseado, de forma consecutiva. É o que faz a voz do cantor ou o solista do instrumento.
Harmonia é a sucessão de acordes combinados a partir da tonalidade da canção, que formam a base e a sustentação para a melodia. Acordes são conjuntos de notas combinadas tocadas simultaneamente. É aquilo que faz o violão, o piano, o acordeão, quando acompanham o melodista.
Ritmo é a sucessão regular de tempos fortes e fracos, cuja função é estruturar uma canção. A lei do ritmo baseia-se na divisão ordenada do tempo. As mais comuns são: compasso binário (2/4), ternário (3/4) e o quaternário 4/4.
Existem diversas outras combinações e só um estudo mais aprofundado de música nos dá esse conhecimento. Dadas as nossas limitações, falarei um pouquinho de cada um desses três, mais usados na nossa MPB.
O dois por quatro (2/4) tem o acento forte no primeiro tempo e fraco no segundo, e é muito usado nos sambas e algumas bossas.
O três por quatro(3/4) tem o primeiro tempo forte e os dois seguintes fracos, são as valsas, como por ex: Rosa, de Pixinguina, João e Maria, do Chico Buarque, Romaria, do Renato Teixeira, Coleção do Cassiano, etc.
O quatro por quatro (4/4) é o mais comum, se encontra na maioria das canções. Tem o primeiro acento forte, o segundo fraco, o terceiro meio forte e o quarto fraco. O andamento indica se o ritmo é rápido, lento ou médio. A intensidade, se é tocado ou cantado de maneira suave, mediana ou forte.
A letra tem muita importância na canção popular brasileira, e é bom se pensar na mensagem que está passando quando canta uma canção. A mensagem está na letra e na música, faça as suas escolhas conscientemente, o cantor também é um educador, certo? Já pensou nisso? O que você quer dizer para as pessoas a quem dirige o seu canto? Que emoção quer passar?
Tipos de Canto
Existem dois tipos básicos de canto, com técnicas diferenciadas: o Lírico e o Popular.
O lírico, também chamado de Bel Canto, tem a voz como instrumento - o que emociona é o som, não tanto o texto. É o caminho da virtuose, como a ópera. Exige um esforço físico e emocional muito maior, são horas de treino para ter a voz em boas condições de cantar, há muito trabalho por trás de um cantor lírico, a impostação da voz é bem diferente do canto popular.
O popular, ao qual nos dirigimos neste curso, além do timbre e emoção, importa também o assunto, o sentido da mensagem e o modo como ela é passada (forma, melodia, o sentimento aliado à palavra). Por isso, ao escolher canções para seu repertório, procure ver se o que a letra está dizendo tem a ver com o que você pensa, ou se só está repetindo mecanicamente o que ouve. Isso é importante para você aliar emoção à palavra, para cantar de maneira mais integral, corpo e alma.
Procure a sua forma de cantar, que deve ser única, você pode ter cantores e cantoras como parâmetros mas nunca cantará igual a ninguém, pois para isso precisaria ter a mesma estrutura física e emocional que aquela pessoa. Impossível, certo?
Procure também os estilos que mais gosta. Estes estilos são muitos e variados, dentro da MPB mesmo há diversos estilos. Romântico, pop, rock, samba, blues, heavy, bossa, enfim, você pode cantar em português ou qualquer outra língua qualquer estilo. Invente, crie, pesquise. Procure ouvir muito, ver bons shows, não se atenha só ao que a mídia, como TV e rádio, lhe impõe, há muita música de qualidade excelente que não aparece na mídia.
Procure rádios alternativas e TVs educativas se quiser aprimorar seu conhecimento musical. Busque nos jornais de sua cidade os cadernos culturais, onde com certeza há indicações semanais de ótimos shows, e por fim procure em lojas de CD onde possa ouvir e escolher o quer levar.
Lembre-se que nenhum professor tem o poder de lhe transformar num cantor assim ou assado, ele é só um instrumento para lhe mostrar o caminho, mas o esforço maior para encontrá-lo é seu, pois só você pode saber o que realmente sua alma, mente e corpo necessitam. Se você prefere ser autodidata, recomendo que procure vídeos e livros sobre o assunto, além de ouvir muita música. A dica que posso dar é o livro da Clara Sandroni, "260 dicas para o cantor popular". O curso pela Internet é limitado pois impede a demonstração, por isso você deve procurar um professor em sua cidade, para depois que aprender o básico, tentar sozinho.
Vamos falar um porquinho sobre os elementos básicos da canção, que é o casamento da música com a letra.
Os elementos que estruturam uma composição musical são a Melodia, a Harmonia e o Ritmo. Pode ser só instrumental ou com letra, habituamos a chamar esta última de canção.
Melodia é a sucessão ascendente e descendente de notas, a intervalos e alturas variáveis, formando um fraseado, de forma consecutiva. É o que faz a voz do cantor ou o solista do instrumento.
Harmonia é a sucessão de acordes combinados a partir da tonalidade da canção, que formam a base e a sustentação para a melodia. Acordes são conjuntos de notas combinadas tocadas simultaneamente. É aquilo que faz o violão, o piano, o acordeão, quando acompanham o melodista.
Ritmo é a sucessão regular de tempos fortes e fracos, cuja função é estruturar uma canção. A lei do ritmo baseia-se na divisão ordenada do tempo. As mais comuns são: compasso binário (2/4), ternário (3/4) e o quaternário 4/4.
Existem diversas outras combinações e só um estudo mais aprofundado de música nos dá esse conhecimento. Dadas as nossas limitações, falarei um pouquinho de cada um desses três, mais usados na nossa MPB.
O dois por quatro (2/4) tem o acento forte no primeiro tempo e fraco no segundo, e é muito usado nos sambas e algumas bossas.
O três por quatro(3/4) tem o primeiro tempo forte e os dois seguintes fracos, são as valsas, como por ex: Rosa, de Pixinguina, João e Maria, do Chico Buarque, Romaria, do Renato Teixeira, Coleção do Cassiano, etc.
O quatro por quatro (4/4) é o mais comum, se encontra na maioria das canções. Tem o primeiro acento forte, o segundo fraco, o terceiro meio forte e o quarto fraco. O andamento indica se o ritmo é rápido, lento ou médio. A intensidade, se é tocado ou cantado de maneira suave, mediana ou forte.
A letra tem muita importância na canção popular brasileira, e é bom se pensar na mensagem que está passando quando canta uma canção. A mensagem está na letra e na música, faça as suas escolhas conscientemente, o cantor também é um educador, certo? Já pensou nisso? O que você quer dizer para as pessoas a quem dirige o seu canto? Que emoção quer passar?
5ºAULA TEC VOCAL Dicção e Exercícios para o Controle do Ar
5ºAULA TEC VOCAL
Dicção e Exercícios para o Controle do Ar
Alguns exercícios ajudam a termos a percepção de como podemos controlar o ar na hora do canto, pois muitas vezes jogamos muito ar fora logo na primeira palavra, aí não conseguimos acabar a frase ou desafinamos. Confira alguns abaixo:
Bexiga de ar: Inspirar enchendo todo o pulmão, sem estufar o peito, encher de uma vez só uma bexiga de ar e vedar a saída com o indicador e o polegar. Inspirar de mesma maneira e soltar o ar devagar, em sopro, controlando a saída, ao mesmo tempo em que solta o da bexiga com os dedos. Devem acabar juntos, o seu ar e o da bexiga. No começo é difícil, mas é um ótimo exercício de percepção. Depois tente controlar o ar com as frases longas das canções.
Vela: Acender uma vela, posicioná-la a um palmo da boca; inspirar como acima e soltar o ar, como em sopro, controlando a saída retraindo o abdômen devagar, sobre a chama da vela, sem apagá-la. Procurar manter a chama sempre dançando da mesma maneira, se ela diminuir muito ou apagar, você soprou muito forte, se ela ficou ereta, seu ar falhou.
Freqüência dos exercícios: três vezes cada, três vezes na semana.
Dicção: A boa dicção é muito importante para o canto, pois se você não articula bem as palavras, fica difícil de se entender o que você está dizendo, e se não abre a boca o suficiente, a voz sai anasalada. Um exercício fácil é cantar exagerando na articulação, ou ler textos exagerando, abrindo mais a boca do que necessário, pra que ganhe mais abertura.
Você pode também cantar os vocalizes articulando bem as vogais e consoantes, usando sílabas como:
- TRA, TRE, TRI, TRO, TRU
- BLA, BLE, BLI...
- LARA, LERA...
- VINE...VIVIU
- AU...AI...AÊ...ÓI
- NAU...NOIM...
enfim, invente e articule!
Um bom exercício para "amaciar" e relaxar a boca é fazer uma mastigação de boca fechada e depois aberta, fazendo muita careta, com som de "humm".
2a. voz: A segunda voz é uma mesma frase da canção cantada com notas diferentes da primeira. A mais comum é quando você canta as mesmas notas da primeira frase uma terça acima ou abaixo, ou uma quinta. Muita gente tem essa percepção natural e faz isso sem nunca ter estudado música, mas isso não deve se constituir uma regra. A 2a. voz é qualquer frase cantada com notas diferentes da primeira, mas que soe bonito, harmônico, que combine.
Você pode treinar isso escolhendo canções de algum cantor ou cantora cuja voz se aproxime da sua na extensão vocal, ou seja, que você consiga cantar junto sem fazer muito esforço, então você ao invés de cantar na mesma altura, com as mesmas notas, vá tentando fazer diferente, cantando mais grave ou mais agudo um pouco, procure gravar e ouça com atenção prá ver se soa harmônico, se está combinando.
Trêmulo: O trêmulo, aquela tremidinha no final das frases que alguns cantores fazem, na minha concepção é um recurso natural, da personalidade de cada um, eu desconheço técnica para isso. Se você der uns soquinhos na barriga a voz treme, mas não é natural.
Dicção e Exercícios para o Controle do Ar
Alguns exercícios ajudam a termos a percepção de como podemos controlar o ar na hora do canto, pois muitas vezes jogamos muito ar fora logo na primeira palavra, aí não conseguimos acabar a frase ou desafinamos. Confira alguns abaixo:
Bexiga de ar: Inspirar enchendo todo o pulmão, sem estufar o peito, encher de uma vez só uma bexiga de ar e vedar a saída com o indicador e o polegar. Inspirar de mesma maneira e soltar o ar devagar, em sopro, controlando a saída, ao mesmo tempo em que solta o da bexiga com os dedos. Devem acabar juntos, o seu ar e o da bexiga. No começo é difícil, mas é um ótimo exercício de percepção. Depois tente controlar o ar com as frases longas das canções.
Vela: Acender uma vela, posicioná-la a um palmo da boca; inspirar como acima e soltar o ar, como em sopro, controlando a saída retraindo o abdômen devagar, sobre a chama da vela, sem apagá-la. Procurar manter a chama sempre dançando da mesma maneira, se ela diminuir muito ou apagar, você soprou muito forte, se ela ficou ereta, seu ar falhou.
Freqüência dos exercícios: três vezes cada, três vezes na semana.
Dicção: A boa dicção é muito importante para o canto, pois se você não articula bem as palavras, fica difícil de se entender o que você está dizendo, e se não abre a boca o suficiente, a voz sai anasalada. Um exercício fácil é cantar exagerando na articulação, ou ler textos exagerando, abrindo mais a boca do que necessário, pra que ganhe mais abertura.
Você pode também cantar os vocalizes articulando bem as vogais e consoantes, usando sílabas como:
- TRA, TRE, TRI, TRO, TRU
- BLA, BLE, BLI...
- LARA, LERA...
- VINE...VIVIU
- AU...AI...AÊ...ÓI
- NAU...NOIM...
enfim, invente e articule!
Um bom exercício para "amaciar" e relaxar a boca é fazer uma mastigação de boca fechada e depois aberta, fazendo muita careta, com som de "humm".
2a. voz: A segunda voz é uma mesma frase da canção cantada com notas diferentes da primeira. A mais comum é quando você canta as mesmas notas da primeira frase uma terça acima ou abaixo, ou uma quinta. Muita gente tem essa percepção natural e faz isso sem nunca ter estudado música, mas isso não deve se constituir uma regra. A 2a. voz é qualquer frase cantada com notas diferentes da primeira, mas que soe bonito, harmônico, que combine.
Você pode treinar isso escolhendo canções de algum cantor ou cantora cuja voz se aproxime da sua na extensão vocal, ou seja, que você consiga cantar junto sem fazer muito esforço, então você ao invés de cantar na mesma altura, com as mesmas notas, vá tentando fazer diferente, cantando mais grave ou mais agudo um pouco, procure gravar e ouça com atenção prá ver se soa harmônico, se está combinando.
Trêmulo: O trêmulo, aquela tremidinha no final das frases que alguns cantores fazem, na minha concepção é um recurso natural, da personalidade de cada um, eu desconheço técnica para isso. Se você der uns soquinhos na barriga a voz treme, mas não é natural.
4ºAULA TEC VOCAL higiene vocal
4ºAULA TEC VOCAL
higiene vocal
Alguns cuidados são necessários para manter a voz em bom estado, principalmente para quem a usa profissionalmente:
- O que evitar:
1. A fumaça quente do cigarro agride todo o sistema respiratório e, principalmente, as pregas vocais causando irritação, pigarro, tosse, edema, aumento de secreção e infecções; a fumaça agride diretamente a mucosa que protege as pregas, aumentando o muco e provocando pigarro, favorecendo irritação e alteração na voz.
2. O álcool causa irritação semelhante à produzida pelo cigarro; embora a pessoa que ingere álcool sinta-se mais solta, há uma leve anestesia na faringe, e pode-se abusar da voz sem que se perceba. Quando passa o efeito, pode-se sentir ardor, queimação e voz rouca e fraca.
3. As drogas inalatórias ou injetáveis tem ação direta sobre a laringe e a voz, podem alterar a mucosa e causar lesões no septo nasal.
4. Se você sofre de problemas nas vias respiratórias, evite umidade, mofo, poeira, agasalhos de lã, perfumes, inseticidas, desinfetantes, tintas frescas e tudo que possa desencadear suas crises.
5. Bebidas geladas ou quentes agridem o muco, se não dá para evitá-las deixe uns segundos na boca antes de engolir; café altera o sistema nervoso e agride o muco pelo calor; leite e chocolate aderem ao muco; balas, pastilhas e sprays podem mascarar a dor do esforço vocal, prejudicando as mucosas.
6. Roupas apertadas na cintura e no pescoço impedem a livre movimentação do diafragma e da laringe.
7. Pigarrear e tossir com freqüência contribui para alterações nas pregas vocais, pelo atrito. Melhor inspirar e engolir a saliva, tomar água e fazer gargarejos para limpar a garganta.
8. Mudanças bruscas de temperatura e o ar condicionado, favorecem alterações na mucosa.
- O que podemos fazer:
1. Tomar água na temperatura ambiente antes, durante e depois da apresentação, para repormos os sais perdidos pelo esforço e hidratarmos as pregas vocais.
2. A maçã é excelente para a voz, auxilia a limpeza da boca e da faringe; suco de laranja auxilia a absorção do excesso de secreção. No caso de garganta irritada, gargarejos de água morna com sal, meio copo para uma colher de café ou de água morna com tintura de própolis, meio copo para dez gotas ajudam bastante. Cristais de gengibre auxiliam, mas em excesso agridem.
3. Fazer relaxamento, alongamento e aquecimento do corpo e pregas vocais antes de cada apresentação, por quinze, vinte minutos ou meia hora, o mais próximo possível da hora de cantar.
4. Ingerir comidas protéicas e leves, como massas, que digerem rápido, ao menos uma hora e meia antes de cantar, temos alto gasto energético no palco, e precisamos dessa energia. Cantar de barriga vazia cansa e de barriga cheia atrapalha a movimentação do diafragma.
5. Dormir bem, pois a voz necessita de energia e do corpo descansado.
6. Caminhar e nadar são os melhores exercícios para quem canta, pois trabalham de forma geral a musculatura e respiração. OBS: sentindo alterações na voz por período
prolongado ou muita freqüência, procure um fonoaudiólogo ou otorrinolaringologista.
higiene vocal
Alguns cuidados são necessários para manter a voz em bom estado, principalmente para quem a usa profissionalmente:
- O que evitar:
1. A fumaça quente do cigarro agride todo o sistema respiratório e, principalmente, as pregas vocais causando irritação, pigarro, tosse, edema, aumento de secreção e infecções; a fumaça agride diretamente a mucosa que protege as pregas, aumentando o muco e provocando pigarro, favorecendo irritação e alteração na voz.
2. O álcool causa irritação semelhante à produzida pelo cigarro; embora a pessoa que ingere álcool sinta-se mais solta, há uma leve anestesia na faringe, e pode-se abusar da voz sem que se perceba. Quando passa o efeito, pode-se sentir ardor, queimação e voz rouca e fraca.
3. As drogas inalatórias ou injetáveis tem ação direta sobre a laringe e a voz, podem alterar a mucosa e causar lesões no septo nasal.
4. Se você sofre de problemas nas vias respiratórias, evite umidade, mofo, poeira, agasalhos de lã, perfumes, inseticidas, desinfetantes, tintas frescas e tudo que possa desencadear suas crises.
5. Bebidas geladas ou quentes agridem o muco, se não dá para evitá-las deixe uns segundos na boca antes de engolir; café altera o sistema nervoso e agride o muco pelo calor; leite e chocolate aderem ao muco; balas, pastilhas e sprays podem mascarar a dor do esforço vocal, prejudicando as mucosas.
6. Roupas apertadas na cintura e no pescoço impedem a livre movimentação do diafragma e da laringe.
7. Pigarrear e tossir com freqüência contribui para alterações nas pregas vocais, pelo atrito. Melhor inspirar e engolir a saliva, tomar água e fazer gargarejos para limpar a garganta.
8. Mudanças bruscas de temperatura e o ar condicionado, favorecem alterações na mucosa.
- O que podemos fazer:
1. Tomar água na temperatura ambiente antes, durante e depois da apresentação, para repormos os sais perdidos pelo esforço e hidratarmos as pregas vocais.
2. A maçã é excelente para a voz, auxilia a limpeza da boca e da faringe; suco de laranja auxilia a absorção do excesso de secreção. No caso de garganta irritada, gargarejos de água morna com sal, meio copo para uma colher de café ou de água morna com tintura de própolis, meio copo para dez gotas ajudam bastante. Cristais de gengibre auxiliam, mas em excesso agridem.
3. Fazer relaxamento, alongamento e aquecimento do corpo e pregas vocais antes de cada apresentação, por quinze, vinte minutos ou meia hora, o mais próximo possível da hora de cantar.
4. Ingerir comidas protéicas e leves, como massas, que digerem rápido, ao menos uma hora e meia antes de cantar, temos alto gasto energético no palco, e precisamos dessa energia. Cantar de barriga vazia cansa e de barriga cheia atrapalha a movimentação do diafragma.
5. Dormir bem, pois a voz necessita de energia e do corpo descansado.
6. Caminhar e nadar são os melhores exercícios para quem canta, pois trabalham de forma geral a musculatura e respiração. OBS: sentindo alterações na voz por período
prolongado ou muita freqüência, procure um fonoaudiólogo ou otorrinolaringologista.
3ºAULA TEC VOCAL Relaxamento:
Relaxamento:
1. Do corpo: de pé, pernas afastadas dois palmos, braços ao longo do corpo; girar o tronco para esquerda e direita, lentamente, os braços acompanhando o movimento, a cabeça e o olhar também; o calcanhar direito levanta-se levemente e o joelho direito dobra um pouco quando o tronco gira para a esquerda, e vice-versa. Duração: dois minutos ou até sentir o corpo relaxado.
2. Ombros: de pé, pernas unidas, girar os ombros para trás algumas vezes e depois para a frente, com os braços pendentes e articulando bem, lentamente. Duração: dois minutos ou até relaxar.
3. Massagem: com as pontas dos dedos, massagear suavemente a região do pescoço, rosto e couro cabeludo.
Alongamento:
1. Do corpo: de pé, pernas unidas, braços ao longo, iniciar uma inspiração pelo nariz, lentamente, ao mesmo tempo em que eleva os calcanhares e os braços ( lateralmente ) . Ao findar a inspiração, as mãos devem estar unidas e os braços esticados para cima, os calcanhares elevados ao máximo. Feito isto, prende-se a respiração por 3 segundos e solta-se o ar suavemente pela boca, em sopro, ao mesmo tempo em que descem os braços e calcanhares. 3 vezes seguidas.
2. Pescoço: de pé ou sentado, braços levantados lateralmente na altura dos ombros, e mãos no peito; iniciar uma inspiração pelo nariz lentamente, ao mesmo tempo em que estica-se o pescoço à frente, até encostar o queixo no peito; prender o ar 3 segundos e voltar à posição inicial, soltando o ar suavemente em sopro e esticando o pescoço. 3 vezes seguidas.
3. Giro da Cabeça: suavemente, girar a cabeça para direita e esquerda, depois tombando-a para ambos os lados, para frente e para trás, e produzir o giro completo, executando cada posição quatro ou cinco vezes, sentindo o alongamento da musculatura do pescoço.
4. Rosto: inspirar e, com a boca fechada, produzindo um som em "m", movimentar lenta e largamente os músculos da face, como se estivesse mastigando. 3 vezes até acabar, depois 3 vezes com a boca aberta.
Aquecimento:
1. Motorzinho: inspirar e soltar o ar produzindo um som gutural, como um motor, retraindo o abdômen, abrindo bem a boca, até o ar acabar. 3 vezes.
2. Baforada: inspirar e soltar o ar como uma baforada, lentamente, como um "A" susurrado, até o ar acabar. Retrair o abdômen devagar e relaxar a garganta. 3 vezes.
3. Língua: inspirar e produzir uma vibração com os lábios, em "TR", soltando o ar e sentindo a vibração da língua no céu da boca, sempre retraindo o abdômen devagar, controlando o ar. 3 vezes.
4. Lábios: inspirar e produzir uma vibração com os lábios, em "BR", até o ar acabar, trabalhando abdômen.3 vezes.
5. Ressonância: inspirar e produzir som de "DZ", com a ponta da língua encostada nos dentes frontais da arcada superior, até o ar acabar, trabalhando o abdômen. 3 vezes.
6. Glissando: inspirar e produzir som com "TR" ou "BR", começando do som mais grave e subindo gradativamente até o mais agudo da voz, voltando ao grave da mesma forma, como uma escala.3 vezes.
Obs: Todos os exercícios devem ser executados com muita atenção à respiração e o uso do diafragma, controlando o ar expirado, sem forçar a garganta. Além desses exercícios, o aquecimento com vocalizes, trabalhando vogais e consoantes com boa articulação, em escalas, tríades ou tétrades, também devem ser feitos ao menos uma hora antes de cantar, por vinte minutos no mínimo.
Ressonância Vocal
Colocação do ar nas cavidades de ressonância: O ar vibra e se coloca de forma diversificada nas cavidades de ressonância, conforme os tons sejam graves, médios e agudos.
Nos graves, o ar sai dos pulmões e vibra na parte anterior do céu da boca, e um pequeno filete vibra nas fossas nasais. O movimento é maior pra fora.
Nos médios, o ar divide-se igualmente para as fossas nasais e o céu da boca, vibrando com mais intensidade na parte posterior deste. O movimento é para dentro e para fora.
Nos agudos, o ar vibra nas cavidades da cabeça, seios paranasais, nariz e seio frontal. O movimento é mais para dentro. É a chamada "voz de cabeça" ou falsete.
Segue figura que ilustra essas ressonâncias:
A - As linhas indicam a divisão do ar na ressonância palatal, na tessitura mais grave das vozes masculinas e femininas.
B - As linhas indicam a divisão do ar na tessitura média.
C - As linhas indicam a divisão do ar na ressonância da cavidade da cabeça, na tessitura aguda.
1 - Ressonância no seio frontal.
Timbre, Intensidade e Altura:
Timbre é a qualidade vocal, aquilo que caracteriza uma voz conferindo-lhe personalidade, diferenciando-a das demais. Não há timbres iguais, apenas semelhantes; é a identidade vocal.
Intensidade é a qualidade que diferencia a voz forte da voz fraca e depende da amplitude de vibração das cordas vocais, da emoção e vontade de quem canta.
Altura é a qualidade que diferencia a voz grave da aguda. A altura da voz depende da extensão e espessura, ou massa das cordas vocais.
Para exercitar as cordas vocais e perceber sua ressonância, faça vocalizações, cante pequenas frases com vogais ou Larará, como você quiser, explorando os graves, médios e agudos de sua voz, respirando bem e apoiando como o diafragma, com o abdômen retraindo devagarinho.
Faça-o concentradamente para perceber a ressonância do som nas cavidades como na figura dada. Se voce conhece música, pode trabalhar com as escalas, cantar as notas dos acordes maiores e menores indo e voltando, acordes com 7M, 7, 6, 5#, 4 , 4#, é um ótimo exercício para afinação, toque as notas seguidas dos acordes e as repita.
1. Do corpo: de pé, pernas afastadas dois palmos, braços ao longo do corpo; girar o tronco para esquerda e direita, lentamente, os braços acompanhando o movimento, a cabeça e o olhar também; o calcanhar direito levanta-se levemente e o joelho direito dobra um pouco quando o tronco gira para a esquerda, e vice-versa. Duração: dois minutos ou até sentir o corpo relaxado.
2. Ombros: de pé, pernas unidas, girar os ombros para trás algumas vezes e depois para a frente, com os braços pendentes e articulando bem, lentamente. Duração: dois minutos ou até relaxar.
3. Massagem: com as pontas dos dedos, massagear suavemente a região do pescoço, rosto e couro cabeludo.
Alongamento:
1. Do corpo: de pé, pernas unidas, braços ao longo, iniciar uma inspiração pelo nariz, lentamente, ao mesmo tempo em que eleva os calcanhares e os braços ( lateralmente ) . Ao findar a inspiração, as mãos devem estar unidas e os braços esticados para cima, os calcanhares elevados ao máximo. Feito isto, prende-se a respiração por 3 segundos e solta-se o ar suavemente pela boca, em sopro, ao mesmo tempo em que descem os braços e calcanhares. 3 vezes seguidas.
2. Pescoço: de pé ou sentado, braços levantados lateralmente na altura dos ombros, e mãos no peito; iniciar uma inspiração pelo nariz lentamente, ao mesmo tempo em que estica-se o pescoço à frente, até encostar o queixo no peito; prender o ar 3 segundos e voltar à posição inicial, soltando o ar suavemente em sopro e esticando o pescoço. 3 vezes seguidas.
3. Giro da Cabeça: suavemente, girar a cabeça para direita e esquerda, depois tombando-a para ambos os lados, para frente e para trás, e produzir o giro completo, executando cada posição quatro ou cinco vezes, sentindo o alongamento da musculatura do pescoço.
4. Rosto: inspirar e, com a boca fechada, produzindo um som em "m", movimentar lenta e largamente os músculos da face, como se estivesse mastigando. 3 vezes até acabar, depois 3 vezes com a boca aberta.
Aquecimento:
1. Motorzinho: inspirar e soltar o ar produzindo um som gutural, como um motor, retraindo o abdômen, abrindo bem a boca, até o ar acabar. 3 vezes.
2. Baforada: inspirar e soltar o ar como uma baforada, lentamente, como um "A" susurrado, até o ar acabar. Retrair o abdômen devagar e relaxar a garganta. 3 vezes.
3. Língua: inspirar e produzir uma vibração com os lábios, em "TR", soltando o ar e sentindo a vibração da língua no céu da boca, sempre retraindo o abdômen devagar, controlando o ar. 3 vezes.
4. Lábios: inspirar e produzir uma vibração com os lábios, em "BR", até o ar acabar, trabalhando abdômen.3 vezes.
5. Ressonância: inspirar e produzir som de "DZ", com a ponta da língua encostada nos dentes frontais da arcada superior, até o ar acabar, trabalhando o abdômen. 3 vezes.
6. Glissando: inspirar e produzir som com "TR" ou "BR", começando do som mais grave e subindo gradativamente até o mais agudo da voz, voltando ao grave da mesma forma, como uma escala.3 vezes.
Obs: Todos os exercícios devem ser executados com muita atenção à respiração e o uso do diafragma, controlando o ar expirado, sem forçar a garganta. Além desses exercícios, o aquecimento com vocalizes, trabalhando vogais e consoantes com boa articulação, em escalas, tríades ou tétrades, também devem ser feitos ao menos uma hora antes de cantar, por vinte minutos no mínimo.
Ressonância Vocal
Colocação do ar nas cavidades de ressonância: O ar vibra e se coloca de forma diversificada nas cavidades de ressonância, conforme os tons sejam graves, médios e agudos.
Nos graves, o ar sai dos pulmões e vibra na parte anterior do céu da boca, e um pequeno filete vibra nas fossas nasais. O movimento é maior pra fora.
Nos médios, o ar divide-se igualmente para as fossas nasais e o céu da boca, vibrando com mais intensidade na parte posterior deste. O movimento é para dentro e para fora.
Nos agudos, o ar vibra nas cavidades da cabeça, seios paranasais, nariz e seio frontal. O movimento é mais para dentro. É a chamada "voz de cabeça" ou falsete.
Segue figura que ilustra essas ressonâncias:
A - As linhas indicam a divisão do ar na ressonância palatal, na tessitura mais grave das vozes masculinas e femininas.
B - As linhas indicam a divisão do ar na tessitura média.
C - As linhas indicam a divisão do ar na ressonância da cavidade da cabeça, na tessitura aguda.
1 - Ressonância no seio frontal.
Timbre, Intensidade e Altura:
Timbre é a qualidade vocal, aquilo que caracteriza uma voz conferindo-lhe personalidade, diferenciando-a das demais. Não há timbres iguais, apenas semelhantes; é a identidade vocal.
Intensidade é a qualidade que diferencia a voz forte da voz fraca e depende da amplitude de vibração das cordas vocais, da emoção e vontade de quem canta.
Altura é a qualidade que diferencia a voz grave da aguda. A altura da voz depende da extensão e espessura, ou massa das cordas vocais.
Para exercitar as cordas vocais e perceber sua ressonância, faça vocalizações, cante pequenas frases com vogais ou Larará, como você quiser, explorando os graves, médios e agudos de sua voz, respirando bem e apoiando como o diafragma, com o abdômen retraindo devagarinho.
Faça-o concentradamente para perceber a ressonância do som nas cavidades como na figura dada. Se voce conhece música, pode trabalhar com as escalas, cantar as notas dos acordes maiores e menores indo e voltando, acordes com 7M, 7, 6, 5#, 4 , 4#, é um ótimo exercício para afinação, toque as notas seguidas dos acordes e as repita.
2ºAULA TEC VOCAL Conhecendo a sua Voz
2ºAULA TEC VOCAL
Conhecendo a sua Voz
Bem, então já vimos que para cantar precisamos de AR. A quantidade necessária varia de pessoa para pessoa, pelo tamanho físico e da vontade de cada um, e de canção para canção. A vontade é a maneira como você quer cantar, se está mais para Elis Regina, precisa de mais ar e emoção, se mais para João Gilberto, menos ar e emoção mais contida, se nenhum dos dois, procure o meio termo. Se quer cantar "gritado" e rouco como alguns roqueiros, é melhor redobrar o cuidado, pois a longo prazo isso pode criar calos vocais difíceis de tratar. É uma escolha sua, faça o possível para respirar bem e apoiar a voz com o diafragma, forçando a garganta o menos possível.
Também precisamos do uso do diafragma, que, ao inspirarmos, deve abaixar-se expandindo o abdômen, e ao começarmos a cantar, ele vai subindo, empurrando a base do pulmão e ajudando o ar a sair e vibrar nas cordas vocais; você também ajuda retraindo o abdômen devagar até o ar acabar. É necessário também abrir a boca, deixar o ar ressoar dentro dela, nas fossas nasais e demais cavidades e, para isso, você precisa concentrar-se, não afobar-se e jogar o ar fora de uma só vez. É bom exercitar-se frente ao espelho, gravar-se e ouvir-se para você mesmo(a) corrigir-se e escolher como quer cantar. O canto é a expressão de sua alma, só você pode saber como deseja expressá-la, por isso conscientize-se de si mesmo (a), ouça-se, perceba-se.
Os exercícios respiratórios são para fortalecer a musculatura, mas você também pode fazê-lo cantando, desde que o faça com consciência e constância, pois como qualquer músculo, o diafragma e as pregas vocais ficam sem força pelo uso inadequado.
Vamos então descobrir a sua tessitura vocal e procurar o seu registro médio:
Você vai precisar de um piano, teclado ou violão; localize a princípio a nota mais grave de sua voz, sem forçar, cante e a procure no instrumento. Siga as instruções abaixo.
CLASSIFICAÇÃO VOCAL:
No piano ou teclado, procure o primeiro MI, o mais grave. No violão, a 6ª corda, a primeira de cima para baixo. Essa é a primeira nota da voz masculina denominada BAIXO, a mais grave. Partindo dela, suba duas oitavas até o 3º MI. Em seguida, procure o 1º SOL mais grave nos três instrumentos, e conte duas oitavas até o 3º SOL. Essa é a extensão vocal para a voz média masculina, o BARÍTONO.
Procure no teclado ou piano o 2º DÓ e vá com ele até o quarto DÓ. No violão, é o 1º dó, melhor o da corda LA, 3ª casa e vá seguindo até o 3º dó, subindo duas oitavas. Teremos nessa extensão a voz mais aguda masculina, o TENOR.
Para o violão, pode-se usar as mesmas medidas para as vozes femininas: a do BAIXO para a CONTRALTO, a do BARÍTONO para a MEIO SOPRANO e a do TENOR para a SOPRANO. O Violão é um instrumento mais limitado, no piano fica mais fácil, conta-se a CONTRALTO partindo do 2º até o 4º MI, a MEIO SOPRANO do 2º ao 4º SOL e a SOPRANO do 3º ao 5º DÓ.
A classificação vocal serve para se atuar em grupos vocais e para o canto lírico. Para o canto popular não importa muito se você é soprano ou tenor, o importante é você conhecer sua extensão vocal e trabalhar para fortalecer o registro médio, que é aquela região onde sua voz soa mais brilhante, mais firme e bonita. Você pode fazer isso tocando e repetindo nota por nota, de meio em meio tom, usando as vogais. Pode também usar a escala maior no sentido ascendente e descendente. É simples: partindo da sua nota mais grave, não importa se é um dó, um sol ou mi, partindo dessa nota vá subindo dos graves para os agudos em intervalos de TOM, TOM, SEMITOM, TOM, TOM, TOM, SEMITOM. Volte dos agudos para os graves com os intervalos no sentido contrário. Passe para a segunda nota e vá subindo novamente. Fica difícil demonstrar via Internet, se você não conhece música peça a alguém que o ajude, ok? Você pode exercitar-se com acordes maiores e menores, com três, quatro, cinco notas, o importante é descobrir seu limite e não ultrapassá-lo para não machucar suas cordas vocais. A região aguda é mais difícil, vá com calma e AR, apoiando com o diafragma.
Existem muitos modos musicais para exercitar a voz e muitos exercícios para o diafragma e respiração, o importante é exercitar. A "malhação vocal" fortalece a musculatura da laringe e sua voz sai mais fácil, mais segura e bonita.
Sim, você pode fazer isso somente cantando, mas é preciso escolher um repertório com canções que explorem bem os graves e os agudos. A maioria das pessoas tem duas oitavas de extensão, algumas chegam a três, mas não é preciso se preocupar com a quantidade e sim com a qualidade vocal, já que a maioria das canções cabem dentro de duas oitavas, ok? Aí é só ir descobrindo os tons de cada canção para sua voz. Isso você percebe ao sentir conforto ou desconforto quando canta. Se sua voz está sumindo nos graves, experimente subir um tom ou dois, às vezes meio tom resolve. Se é o agudo que está difícil, experimente abaixar um tom, ou o quanto precisa até verificar que a canção está bonita em toda a sua extensão vocal. Não force sua voz para cantar num tom inadequado, o instrumento conserta-se ou troca-se a corda, a voz não, né?
Relaxar e Aquecer
Hoje vamos falar um pouco sobre Relaxamento, Alongamento e Aquecimento: para cantarmos bem, necessitamos estar com a musculatura do corpo, principalmente a região dos ombros, costas e pescoço, relaxada, alongada e com as pregas vocais devidamente aquecidas. Para esse fim, existem inúmeros exercícios; abaixo, alguns dos mais usados:
Conhecendo a sua Voz
Bem, então já vimos que para cantar precisamos de AR. A quantidade necessária varia de pessoa para pessoa, pelo tamanho físico e da vontade de cada um, e de canção para canção. A vontade é a maneira como você quer cantar, se está mais para Elis Regina, precisa de mais ar e emoção, se mais para João Gilberto, menos ar e emoção mais contida, se nenhum dos dois, procure o meio termo. Se quer cantar "gritado" e rouco como alguns roqueiros, é melhor redobrar o cuidado, pois a longo prazo isso pode criar calos vocais difíceis de tratar. É uma escolha sua, faça o possível para respirar bem e apoiar a voz com o diafragma, forçando a garganta o menos possível.
Também precisamos do uso do diafragma, que, ao inspirarmos, deve abaixar-se expandindo o abdômen, e ao começarmos a cantar, ele vai subindo, empurrando a base do pulmão e ajudando o ar a sair e vibrar nas cordas vocais; você também ajuda retraindo o abdômen devagar até o ar acabar. É necessário também abrir a boca, deixar o ar ressoar dentro dela, nas fossas nasais e demais cavidades e, para isso, você precisa concentrar-se, não afobar-se e jogar o ar fora de uma só vez. É bom exercitar-se frente ao espelho, gravar-se e ouvir-se para você mesmo(a) corrigir-se e escolher como quer cantar. O canto é a expressão de sua alma, só você pode saber como deseja expressá-la, por isso conscientize-se de si mesmo (a), ouça-se, perceba-se.
Os exercícios respiratórios são para fortalecer a musculatura, mas você também pode fazê-lo cantando, desde que o faça com consciência e constância, pois como qualquer músculo, o diafragma e as pregas vocais ficam sem força pelo uso inadequado.
Vamos então descobrir a sua tessitura vocal e procurar o seu registro médio:
Você vai precisar de um piano, teclado ou violão; localize a princípio a nota mais grave de sua voz, sem forçar, cante e a procure no instrumento. Siga as instruções abaixo.
CLASSIFICAÇÃO VOCAL:
No piano ou teclado, procure o primeiro MI, o mais grave. No violão, a 6ª corda, a primeira de cima para baixo. Essa é a primeira nota da voz masculina denominada BAIXO, a mais grave. Partindo dela, suba duas oitavas até o 3º MI. Em seguida, procure o 1º SOL mais grave nos três instrumentos, e conte duas oitavas até o 3º SOL. Essa é a extensão vocal para a voz média masculina, o BARÍTONO.
Procure no teclado ou piano o 2º DÓ e vá com ele até o quarto DÓ. No violão, é o 1º dó, melhor o da corda LA, 3ª casa e vá seguindo até o 3º dó, subindo duas oitavas. Teremos nessa extensão a voz mais aguda masculina, o TENOR.
Para o violão, pode-se usar as mesmas medidas para as vozes femininas: a do BAIXO para a CONTRALTO, a do BARÍTONO para a MEIO SOPRANO e a do TENOR para a SOPRANO. O Violão é um instrumento mais limitado, no piano fica mais fácil, conta-se a CONTRALTO partindo do 2º até o 4º MI, a MEIO SOPRANO do 2º ao 4º SOL e a SOPRANO do 3º ao 5º DÓ.
A classificação vocal serve para se atuar em grupos vocais e para o canto lírico. Para o canto popular não importa muito se você é soprano ou tenor, o importante é você conhecer sua extensão vocal e trabalhar para fortalecer o registro médio, que é aquela região onde sua voz soa mais brilhante, mais firme e bonita. Você pode fazer isso tocando e repetindo nota por nota, de meio em meio tom, usando as vogais. Pode também usar a escala maior no sentido ascendente e descendente. É simples: partindo da sua nota mais grave, não importa se é um dó, um sol ou mi, partindo dessa nota vá subindo dos graves para os agudos em intervalos de TOM, TOM, SEMITOM, TOM, TOM, TOM, SEMITOM. Volte dos agudos para os graves com os intervalos no sentido contrário. Passe para a segunda nota e vá subindo novamente. Fica difícil demonstrar via Internet, se você não conhece música peça a alguém que o ajude, ok? Você pode exercitar-se com acordes maiores e menores, com três, quatro, cinco notas, o importante é descobrir seu limite e não ultrapassá-lo para não machucar suas cordas vocais. A região aguda é mais difícil, vá com calma e AR, apoiando com o diafragma.
Existem muitos modos musicais para exercitar a voz e muitos exercícios para o diafragma e respiração, o importante é exercitar. A "malhação vocal" fortalece a musculatura da laringe e sua voz sai mais fácil, mais segura e bonita.
Sim, você pode fazer isso somente cantando, mas é preciso escolher um repertório com canções que explorem bem os graves e os agudos. A maioria das pessoas tem duas oitavas de extensão, algumas chegam a três, mas não é preciso se preocupar com a quantidade e sim com a qualidade vocal, já que a maioria das canções cabem dentro de duas oitavas, ok? Aí é só ir descobrindo os tons de cada canção para sua voz. Isso você percebe ao sentir conforto ou desconforto quando canta. Se sua voz está sumindo nos graves, experimente subir um tom ou dois, às vezes meio tom resolve. Se é o agudo que está difícil, experimente abaixar um tom, ou o quanto precisa até verificar que a canção está bonita em toda a sua extensão vocal. Não force sua voz para cantar num tom inadequado, o instrumento conserta-se ou troca-se a corda, a voz não, né?
Relaxar e Aquecer
Hoje vamos falar um pouco sobre Relaxamento, Alongamento e Aquecimento: para cantarmos bem, necessitamos estar com a musculatura do corpo, principalmente a região dos ombros, costas e pescoço, relaxada, alongada e com as pregas vocais devidamente aquecidas. Para esse fim, existem inúmeros exercícios; abaixo, alguns dos mais usados:
1º AULA DE CANTO introdução ao canto
1º AULA DE CANTO
Entendendo o Canto: Para o canto, como no estudo de um instrumento, estudaremos musicalização e técnica.
Musicalização - trabalhamos a percepção, ouvindo, reconhecendo e repetindo o som na sua exatidão, através das escalas, tríades e tétrades maiores e menores, notas isoladas;para isso você vai precisar da ajuda de um instrumento, de preferência um piano, teclado ou violão. Nesse processo você vai descobrir a sua tessitura vocal, que é desde a nota mais grave até a mais aguda que sua voz alcança, e dentro dela, o registro médio, que é aquela região onde sua voz fica mais firme e bonita. Descoberto e firmado esse registro através de exercícios, vai ficar mais fácil você colocar as canções que e gosta nos tons mais adequados à sua voz.
Técnica - o som da nossa voz é resultado da vibração do ar nas pregas vocais, no ato da expiração. Esse trabalho conta com o apoio do músculo diafragma, fundamental para o canto. Quando não usamos esse músculo da maneira adequada, colocamos muita força na garganta, produzindo um som "seco", sem brilho, gritado, o que pode causar rouquidão, cansaço e machucar as pregas vocais. A respiração deve ser mista, isto é, pelo nariz na introdução e intervalos maiores das canções, e pela boca entre as frases com intervalos curtos. O nariz filtra e aquece o ar, mas só quando há tempo suficiente respiramos por ele para cantar, pois precisamos de uma boa quantidade de ar e no tempo curto entre as frases é melhor respirarmos pela boca. Também precisamos trabalhar a articulação das palavras, a abertura de boca para evitar o som muito anasalado, e a ressonância do som na nossa "caixa acústica", a boca, faringe, fossas nasais e cavidades da cabeça.
O terceiro fator - esse independe do professor, pois é o fator emocional. A laringe, que contém as pregas vocais, é um filtro para as nossas emoções. Se você tem bloqueios, inseguranças, nervosismo (o que pode acontecer com qualquer um, profissional ou não), já deve ter sentido uma espécie de "garra" na garganta, principalmente nos sons agudos, algo que nos impede de cantar como queremos. Os exercícios ajudam bastante a dar segurança, mas as emoções precisam ser trabalhadas para o som fluir tranqüilo e afinado.
Então, para cantar bem, precisamos:
• Entoar o som na sua exatidão
• Respirar bem e sempre entre as frase
• Apoiar a saída do ar com o diafragma
• Articular bem as palavras
• Manter o som ressoando na nossa "caixa de som"
Vamos ver isso aos poucos, mas para começar você pode verificar como está trabalhando com o músculo diafragma, fazendo o seguinte exercício:
O diafragma fica sob o pulmão, é um músculo elástico, que quando você inspira ele abaixa, projetando o abdômen à frente. Quando você expira ele vai subindo, contraindo a base do pulmão, expulsando o ar. Como aprendemos a respirar errado, estufando o peito e encolhendo a barriga, ele fica sem firmeza. Vamos então fazer um exercício para reativá-lo e reforçá-lo.
Expansão - Sentado(a), coluna reta, inspire bruscamente pelo nariz, deixando expandir o abdômen, SEM ESTUFAR O PEITO; expire logo em seguida pela boca suavemente, retraindo o abdômen. Faça-o 15 vezes seguidas, todos os dias. Se sentir tontura, pare uns segundos e recomece, é normal. Não exagere, 15 vezes está bem, o que importa é a qualidade e a constância. Esse exercício é para dar agilidade e firmeza ao músculo, mas para cantar o uso é diferente, o que veremos na próxima aula, além dos outros assuntos acima.
Entendendo o Canto: Para o canto, como no estudo de um instrumento, estudaremos musicalização e técnica.
Musicalização - trabalhamos a percepção, ouvindo, reconhecendo e repetindo o som na sua exatidão, através das escalas, tríades e tétrades maiores e menores, notas isoladas;para isso você vai precisar da ajuda de um instrumento, de preferência um piano, teclado ou violão. Nesse processo você vai descobrir a sua tessitura vocal, que é desde a nota mais grave até a mais aguda que sua voz alcança, e dentro dela, o registro médio, que é aquela região onde sua voz fica mais firme e bonita. Descoberto e firmado esse registro através de exercícios, vai ficar mais fácil você colocar as canções que e gosta nos tons mais adequados à sua voz.
Técnica - o som da nossa voz é resultado da vibração do ar nas pregas vocais, no ato da expiração. Esse trabalho conta com o apoio do músculo diafragma, fundamental para o canto. Quando não usamos esse músculo da maneira adequada, colocamos muita força na garganta, produzindo um som "seco", sem brilho, gritado, o que pode causar rouquidão, cansaço e machucar as pregas vocais. A respiração deve ser mista, isto é, pelo nariz na introdução e intervalos maiores das canções, e pela boca entre as frases com intervalos curtos. O nariz filtra e aquece o ar, mas só quando há tempo suficiente respiramos por ele para cantar, pois precisamos de uma boa quantidade de ar e no tempo curto entre as frases é melhor respirarmos pela boca. Também precisamos trabalhar a articulação das palavras, a abertura de boca para evitar o som muito anasalado, e a ressonância do som na nossa "caixa acústica", a boca, faringe, fossas nasais e cavidades da cabeça.
O terceiro fator - esse independe do professor, pois é o fator emocional. A laringe, que contém as pregas vocais, é um filtro para as nossas emoções. Se você tem bloqueios, inseguranças, nervosismo (o que pode acontecer com qualquer um, profissional ou não), já deve ter sentido uma espécie de "garra" na garganta, principalmente nos sons agudos, algo que nos impede de cantar como queremos. Os exercícios ajudam bastante a dar segurança, mas as emoções precisam ser trabalhadas para o som fluir tranqüilo e afinado.
Então, para cantar bem, precisamos:
• Entoar o som na sua exatidão
• Respirar bem e sempre entre as frase
• Apoiar a saída do ar com o diafragma
• Articular bem as palavras
• Manter o som ressoando na nossa "caixa de som"
Vamos ver isso aos poucos, mas para começar você pode verificar como está trabalhando com o músculo diafragma, fazendo o seguinte exercício:
O diafragma fica sob o pulmão, é um músculo elástico, que quando você inspira ele abaixa, projetando o abdômen à frente. Quando você expira ele vai subindo, contraindo a base do pulmão, expulsando o ar. Como aprendemos a respirar errado, estufando o peito e encolhendo a barriga, ele fica sem firmeza. Vamos então fazer um exercício para reativá-lo e reforçá-lo.
Expansão - Sentado(a), coluna reta, inspire bruscamente pelo nariz, deixando expandir o abdômen, SEM ESTUFAR O PEITO; expire logo em seguida pela boca suavemente, retraindo o abdômen. Faça-o 15 vezes seguidas, todos os dias. Se sentir tontura, pare uns segundos e recomece, é normal. Não exagere, 15 vezes está bem, o que importa é a qualidade e a constância. Esse exercício é para dar agilidade e firmeza ao músculo, mas para cantar o uso é diferente, o que veremos na próxima aula, além dos outros assuntos acima.
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